DAZZLING ARRAY
Eva Schlegel, Martin Kippenberger, Franz West, Herbert Brandl, Irina und Marina Fabrizius, Dirk Meinzer, Erwin Wurm, Edelgard Gerngross, Clemens Hollerer, Martin Roth, Christian Gasser, Othmar Krenn

Eröffnung: 9. Mai 2014 20.30 Uhr
Ausstellung bis 31. Mai 2014
Galerientage: 9. - 11. Mai 2014
DAZZLING ARRAY
Eva Schlegel, Martin Kippenberger, Franz West, Herbert Brandl, Irina und Marina Fabrizius, Dirk Meinzer, Erwin Wurm, Edelgard Gerngross, Clemens Hollerer, Martin Roth, Christian Gasser, Othmar Krenn

Opening: 9th of May 2014, 8.30 Pm
Exhibition until 31st of May 2014
Galerientage: 9th - 11th of May 2014
Seit mehr als 25 Jahren sammelt, zeigt und handelt Helmut Reinisch mit österreichischer und internationaler Gegenwartskunst. Neben aktuellen Werken neuer Talente beinhaltet die Sammlung auch teils frühe Arbeiten von Künstlern wie Arnulf Rainer, Hubert Schmalix, Erwin Wurm und Joseph Beuys.

Über formelle Grenzen hinweg beschäftigt sich Reinisch Contemporary mit vermeintlich disparaten Schaffensfeldern und deren Verknüpfungen. Unvermutete Resonanzen zwischen ausgewählten Werken der Malerei, Skulptur, Textilkunst und Fotografie werden mitunter zum Vorschein gebracht und erzeugen Spannung.

Durch Ausstellungen, Künstlerstipendien und interdisziplinäre Projekte ermöglicht Reinisch Contemporary immer wieder Begegnungen auf Augenhöhe zwischen Künstlern, Sammlern und der Öffentlichkeit.
More than 25 years ago, Helmut Reinisch began to collect, exhibit and trade contemporary Austrian and international art. Alongside works by promising new talents the collection also includes pieces by artists such as Arnulf Rainer, Hubert Schmalix, Erwin Wurm and Joseph Beuys.

Operating across genre boundaries, Reinisch Contemporary explores ostensibly disparate fields of work and the connections between them. From time to time, fields of resonance between selected pieces ranging from fine arts and sculpture to textiles and photography are brought to light.

Through exhibitions, residencies and cross-disciplinary projects at its locations in central Graz and nearby Kalsdorf Castle, Reinisch Contemporary creates links between artists, collectors, experts and the wider public.










Reinisch Contemporary - 12 Seiten Kunst 1 Reinisch Contemporary - 12 pages art 1
Reinisch Contemporary - 12 Seiten Kunst 2 Reinisch Contemporary - 12 pages art 2
Reinisch Contemporary - 12 Seiten Kunst 3 Reinisch Contemporary - 12 pages art 3
Helmut Reinisch, Hubert Schmalix und Kurator Günter Holler-Schuster.

Josef Sulek
wurde am 06.04.1958 in Turcianske Teplice, in der heutigen Slowakei, geboren.
Lebt und arbeitet in Markt Neuhodis, Burgenland

Slovak
Born 1958
Lives and works in Markt Neuhodis

Josef Sulek 1 Josef Sulek 2 Josef Sulek 3 Josef Sulek 4 Josef Sulek 5 Josef Sulek 6 Josef Sulek 7 Josef Sulek 8 Josef Sulek 9
Josef Sulek 10
Josef Sulek 10
Ausstellung Schloss Kalsdorf:
Bitte nicht Füttern 2008, Eröffnung Dr. Hannes Androsch
Exhibition Kalsdorf Castle:
Please do not feed 2008, Opening Dr. Hannes Androsch

Österreichischer Künstler
Geboren 1959
Lebt und arbeitet in Wien

Austrian
Born 1959
Lives and works in Vienna

Herbert Brandl 1
Herbert Brandl 1
Herbert Brandl 2 Herbert Brandl 3
Herbert Brandl 2 Herbert Brandl 3
Herbert Brandl 4
Herbert Brandl 4
Herbert Brandl 5
Herbert Brandl 5
Herbert Brandl 6
Herbert Brandl 6
Ausstellung Schloss Kalsdorf: Herbert Brandl 2003 Exhibition Kalsdorf Castle: Herbert Brandl 2003
Herbert Brandl 7
Herbert Brandl 7
Ausstellung Schloss Kalsdorf: ROT 2011 Exhibition Kalsdorf Castle: RED 2011
Herbert Brandl 8
Ausstellung Schloss Kalsdorf: Herbert Brandl 2003 Exhibition Kalsdorf Castle: Herbert Brandl 2003

Österreichischer Künstler
Geboren 1948
Lebt und arbeitet in Köln
und Burgau

Austrian
Born 1948
Lives and works in Cologne
and Burgau

Thomas Stimm 1 Thomas Stimm 2 Thomas Stimm 3 Thomas Stimm 4
Thomas Stimm 5
Thomas Stimm 5
Thomas Stimm 6
Thomas Stimm 6
Thomas Stimm 7

Deutscher Künstler
Geboren 1966
Lebt und arbeitet in Waldhausen

German
Born 1966
Lives and works in Waldhausen

Max Boehme 1
Max Boehme 1
Max Boehme 2
Max Boehme 2
Ausstellung Schloss Kalsdorf: Trypticha 2002 Exhibition Kalsdorf Castle: Trypticha 2002
Max Boehme 3
Max Boehme 3
Ausstellung Schloss Kalsdorf: 2010 Exhibition Kalsdorf Castle: 2010
Max Boehme 4
Max Boehme 4
Max Boehme 5
Max Boehme 5
Max Boehme 6

Österreichischer Künstler
1947 - Juli 2012

Austrian
1947 - July 2012

Franz West 1
Franz West 2
Zitat Quote
Es ist nicht wichtig, wie Kunst aussieht, sondern wie man sie einsetzt. It doesn't matter what the art looks like but how it's used.
Franz West 3
Ausstellung Schloss Kalsdorf: ROT 2011 Exhibition Kalsdorf Castle: RED 2011

Holländische Künstlerin
Lebt und arbeitet in Nijmegen

Dutch Artist

Lives and works in Nijmegen

Magriet Smulders 3
Magriet Smulders 3
Magriet Smulders 2
Magriet Smulders 2
Magriet Smulders 1

Österreichischer Künstler
Geboren 1977
Lebt und arbeitet in New York

Austrian
Born 1977
Lives and works in New York

Martin Roth 1
Martin Roth 2
Martin Roth 1
Martin Roth 2
Ausstellung Schloss Kalsdorf & Graz: SECOND NATURE 2012 Exhibition Kalsdorf Castle & Graz: SECOND NATURE 2012

Österreichischer Künstler
Geboren 1952
Lebt und arbeitet in Los Angeles
und Wien

Austrian
Born 1952
Lives and works in Los Angeles
and Vienna

Hubert Schmalix 1
Hubert Schmalix 2
Hubert Schmalix: Winterreise, 6. - 22. Februar 2012 Hubert Schmalix: Winter Journey, 6. - 22. February 2012
Hubert Schmalix 3
Hubert Schmalix 3
Ausstellung Schloss Kalsdorf: 2007 Exhibition Kalsdorf Castle: 2007
Hubert Schmalix 4
Hubert Schmalix 4
Ausstellung Schloss Kalsdorf: 2002 Exhibition Kalsdorf Castle: 2002
Hubert Schmalix 5
Hubert Schmalix 5
Ausstellung Schloss Kalsdorf: 2010 Exhibition Kalsdorf Castle: 2010
Hubert Schmalix 6
Hubert Schmalix 6
Ausstellung Schloss Kalsdorf: 2010 Exhibition Kalsdorf Castle: 2010
Hubert Schmalix 7
Ausstellung Schloss Kalsdorf: 2002 Exhibition Kalsdorf Castle: 2002
Video Clip
Player
ORF Steiermark Heute Beitrag zur Ausstellungseröffnung von Hubert Schmalix ORF Steiermark Heute Clip, exhibition opening Hubert Schmalix

Deutscher Künstler
1953 - 1997

German
1953 - 1997

Zitat Quote
Ein guter Künstler hat weniger Zeit als Ideen. A good artist has less time than ideas.
Ich gebe allerdings zu, ich mache auch kleine Bilder, die richtig scheißgut nach "Übers-Wohnzimmersofa-Hängen" aussehen, damit ich meine Küche bezahlen kann. Admittedly, I also make small paintings that really have this goddamn "hang-above-the-living-room-couch" look, so I can pay for my kitchen.
Martin Kippenberger 1
Ausstellung Schloss Kalsdorf: Malerei 2007 Exhibition Kalsdorf Castle: Painting 2007

Österreichischer Künstler
Geboren 1971
Lebt und arbeitet in Graz

Austrian
Born 1971
Lives and works in Graz

Christian Kri Kammerhofer 1
Christian Kri Kammerhofer 1
Ausstellung Schloss Kalsdorf: ROT 2011 Exhibition Kalsdorf Castle: RED 2011
Christian Kri Kammerhofer 2
Christian Kri Kammerhofer 2
Ausstellung Schloss Kalsdorf: ROT 2011 Exhibition Kalsdorf Castle: RED 2011
Christian Kri Kammerhofer 3
Christian Kri Kammerhofer 3
Christian Kri Kammerhofer 4
Christian Kri Kammerhofer 4
Christian Kri Kammerhofer 5

Österreichischer Künstler
Geboren 1929
Lebt und arbeitet in Wien, Oberösterreich,
Bayern und Teneriffa.

Austrian
Born 1929
Lives and works in Vienna, Upper Austria,
Bavaria and Tenerife.

Arnulf Rainer 1
Arnulf Rainer 1
Arnulf Rainer 2
Zitat Quote
Als Pionier muss man der Kunst permanent Grenzgebiete einverleiben. Nach einer Anzahl von Jahren bekommt das dann von selbst Schönheit. As a pioneer one must constantly assimilate border areas into one's art. After a number of years it will gain beauty spontaneously, of its own accord.
Arnulf Rainer 2

Österreichischer Künstler
Geboren 1951
Lebt und arbeitet in Wien

Austrian
Born 1951
Lives and works in Vienna

Erwin Bohatsch 1 Erwin Bohatsch 2
Erwin Bohatsch 1 Erwin Bohatsch 2
Erwin Bohatsch 3
Erwin Bohatsch 3
Erwin Bohatsch 4

Österreichischer Künstler
Geboren 1962
Lebt und arbeitet in München

Austrian
Born 1962
Lives and works in Munich

Anton Petz 1 Anton Petz 2 Anton Petz 3
Anton Petz 1 Anton Petz 2 Anton Petz 3
Anton Petz 4 Anton Petz 5 Anton Petz 6
Anton Petz 4 Anton Petz 5 Anton Petz 6
Anton Petz 7
Anton Petz 7
Ausstellung Schloss Kalsdorf: Malerei 2007 Exhibition Kalsdorf Castle: Painting 2007
Anton Petz 8

Österreichischer Künstler
Geboren 1962
Lebt und arbeitet in Wien

Austrian
Born 1962
Lives and works in Vienna

Michael Kienzer 1
Michael Kienzer 1
Ausstellung Schloss Kalsdorf: ROT 2011 Exhibition Kalsdorf Castle: RED 2011
Michael Kienzer 2
Michael Kienzer 2
Michael Kienzer 3
Michael Kienzer 3
Michael Kienzer 4
Michael Kienzer 4
Ausstellung Schloss Kalsdorf: Skulptur 2007 Exhibition Kalsdorf Castle: Sculptures 2007
Zitat Quote
Für mich wird Kunst dann interessant, wenn sie die Spannungen zwischen den Kräften die eine Arbeit konstituieren, spürbar macht. For me, art becomes interesting when it makes palpable the tensions between the forces that constitute an artwork.
Michael Kienzer 5

Österreichischer Künstler
Geboren 1968
Lebt und arbeitet in Wien

Austrian
Born 1968
Lives and works in Vienna

Stefan Osterider 1
Stefan Osterider 1
Stefan Osterider 2
Stefan Osterider 2
Stefan Osterider 3
Stefan Osterider 3
Stefan Osterider 4
Stefan Osterider 4
Stefan Osterider 6
Stefan Osterider 6
Stefan Osterider 5
Ausstellung Flatland 27. Februar - 14. März 2012 Exhibition Flatland 27 February - 14 March 2012

Österreichischer Künstler
Geboren 1954
Lebt und arbeitet in Wien
und Limburg

Austrian
Born 1954
Lives and works in Vienna
and Limburg

Erwin Wurm 1
Erwin Wurm 2
Ausstellung Schloss Kalsdorf: Skulptur 2007 Exhibition Kalsdorf Castle: Sculptures 2007
DAZZLING ARRAY   DAZZLING ARRAY 
DAZZLING ARRAY
9. - 31. Mai 2014

Eva Schlegel, Martin Kippenberger, Franz West, Herbert Brandl, Irina und Marina Fabrizius, Dirk Meinzer, Erwin Wurm, Edelgard Gerngross, Clemens Hollerer, Martin Roth, Christian Gasser, Othmar Krenn

Eröffnung: 9. Mai 2014 20.30 Uhr

Als Resultat eines Jahrhunderts voller Grenzüberschreitung und Paradigmenwechsel, Stile und Umbrüche, der Präsenz der Medienkunst und der Rückkehr zur Leinwand sieht sich die heutige Kunst der scheinbar grenzenlosen Freiheit gegenüber.
Dieser enormen Vielfalt an künstlerischen Zugängen und Wegen der Formfindung widmet Reinisch Contemporary die Gruppenausstellung "Dazzling Array". Gezeigt werden großformatige Gemälde, Grafiken, Objekte und Fotografien.


Weitere Informationen unter galerientage-graz.at
DAZZLING ARRAY
9th - 31st of May 2014

Eva Schlegel, Martin Kippenberger, Franz West, Herbert Brandl, Irina und Marina Fabrizius, Dirk Meinzer, Erwin Wurm, Edelgard Gerngross, Clemens Hollerer, Martin Roth, Christian Gasser, Othmar Krenn

Opening: 9th of May 2014, 8.30 Pm

After a century of transgressions and paradigm shifts, styles and upheavals, the rise of media art and a return to the canvas, contemporary art finds itself confronted with sheer limitless freedom.
"Dazzling Array", a group show presented by Reinisch Contemporary, is dedicated to this enormous variety of creative approaches and methods of form-finding. The selection of works on show includes large-format paintings, graphics, objects and photographs.


Further informationen:galerientage-graz.at

 1
SICHTBARE GEMÄLDE
TAKTILE SKULPTUR 
VISIBLE PAINTINGS
TACTILE SCULPTURE 
SICHTBARE GEMÄLDE
TAKTILE SKULPTUR - Kelims aus Marokko
27. Februar - 22. März 2014

In einer von Globalisierung und dem Auflösen von Ferne und Nähe geprägten Weltentwicklung ist es naheliegend, sich diesbezüglich auch künstlerische und kulturelle Dynamiken anzusehen. Das geschieht massiv im Bereich der Gegenwartskunst - man denke nur an die Großveranstaltungen im Rahmen der bildenden Kunst in letzter Zeit.
Plötzlich treten kulturelle Traditionen - die üblicherweise als hermetisch gelten und bisher nur für einige Spezialisten von Interesse waren - ins Zentrum der Aufmerksamkeit. Eine Sparte, die sich gerade in diesem Kontext aktuell einer gewissen Konjunktur erfreut, ist die Textilkunst.
Vielerorts - von München bis Paris - fanden und finden Ausstellungen statt, die das künstlerische Arbeiten mit Textilien zeigen. Dabei spielen auch Teppiche und verschiedene gewebte Erzeugnisse eine bedeutende Rolle. Die Bild- und Formenvielfalt der geknüpften und gewebten Stücke wird nicht selten mit den Bildern der okzidentalen Kultur in Verbindung gebracht. Parallelen - bewusst oder unbewusst entstanden - sind vorhanden und äußern sich auf unterschiedlichste Weise.
Wenn die Galerie Reinisch Contemporary sich in dieser Ausstellung Marokkanischen Kelims widmet, ist das ein sehr bestimmter Bereich der künstlerischen Auseinandersetzung. Mit dem Kelim verbindet man meist die flachgewebten Produkte aus zentralasiatischer Tradition bzw. aus Persien, Anatolien bis hin nach Bosnien. Kelims waren in der Hierarchie immer unter den Knüpfteppichen angesiedelt - als solche lange Zeit gleichsam Nebenprodukte. Als Einrichtungsgegenstände prägten sie vielfach das private Ambiente gehobener Bürgerlichkeit - auch in Österreich. Man darf nicht vergessen, dass Österreich bis zum Beginn des 20. Jahrhunderts gleichsam Nachbar des Orients war.
Der Kelim ist durch seine Materialität und seine technischen Voraussetzungen limitierter als der geknüpfte Teppich, bei dem mannigfaltigere formale Lösungen möglich sind. Innerhalb dieser Limitierung allerdings, erreichen die Formen der Kelimkunst in den klassischen Herkunftsländern eine verblüffend hohe Komplexität. Die Abstraktion geht dabei mit der geometrischen Verdichtung von ursprünglich konkreten Elementen (Tiere, Pflanzen, oder Fabelwesen) einher. Die Teppichkultur Marokkos unterscheidet sich vom Rest - sicherlich auch durch seine geografische Randlage - wesentlich. Viel freier - und weiter weg von den klassischen Formen der Vorläufer Asiens - haben sich in dieser Region Eigenstän- digkeiten entwickelt, die gerade im Zusammenhang mit der Moderne, aber auch später, begeistert bemerkt wurden.
Näher dem narrativen Bild und dem Gegenstand - meist ist es die Landschaft - muss der marokkanische Kelim gesehen werden. Sowohl in der Farbe als auch in den Formen lassen sich die sanften Dünen und die je nach Jahreszeit sich präsentierenden Felder, Wiesen und Wüsten sehr gut erkennen. Neben diesen erzählerischen Kelims mit hoher Bildwirkung gibt es auch die Tradition der geometrischen Abstraktion. Nicht unähnlich der bildenden Kunst, hat sich auch in diesem Zusammenhang eine Dualität zwischen gegenständlicher Lesbarkeit bzw. Illusion und abstrakter Zweidimensionalität entwickelt. Diese Stücke zeugen von komplexer Verdichtung im streng Ornamentalen. In Kulturen, in denen sich das Tafelbild niemals etabliert hat, taucht die Frage auf, wodurch dies kompensiert wird. Teppiche, Kelims und diverse andere textile Erzeugnisse sind auf diese Weise auch Formen der Malerei, des Bildbewusstseins. Es sind Bilder, die einer Logik folgen, die wir aus sehr avancierten Forderungen der Avantgarde kennen - bspw. Multifunktionalität.
Das künstlerische Grundkonzept des Teppichs (auch des Kelims) inkludiert selbstverständlich den Zweck und die Funktion. Die ästhetische Autonomie, die im abendländischen Kunstwerk der Moderne bis zur Gegenwart gefordert wird, ist hier nicht zutreffend. Man hat es hier mit Bildern sowohl zum Schauen, als auch zum Berühren zu tun - sichtbares Gemälde und taktile Skulptur.

Günther Holler-Schuster
VISIBLE PAINTINGS
TACTILE SCULPTURE - Kilims from Morocco
February 27 - March 22 2014

Current global dynamics are marked by the dissolution of distance and proximity, and it makes sense to also examine relevant art and cultural movements in this light. This is a massive trend in the realm of contemporary art - just think of the large-scale fine-arts events of recent times. Suddenly, cultural traditions - which are commonly seen as hermetic and only of interest to specialists - become the centre of attention. One such category, which is presently enjoying a certain boom in this context, is textile art. Numerous exhibitions - from Munich to Paris - have been showing artists' work with textiles. Carpets and various other woven products play a significant role in this field. The diversity of imagery and forms of knotted and woven pieces is not rarely associated with the imagery of occidental culture. Parallels - whether occurring by accident or on purpose - are present and expressed in any number of ways.
With this exhibition, the art gallery Reinisch Contemporary dedicates itself to Moroccan Kilims, a very specific section of the discourse of art. Kilims are often linked to flat-woven products of the Central Asian tradition, such as from Persia and Anatolia, or all the way to Bosnia. Hierarchically, Kilims always ranked below knotted carpets - for a long time they were practically considered byproducts. As interior design objects they are often associated with the private ambiance of the upper middle classes - also in Austria. Let us not forget that, up until the beginning of the 20th century, Austria was virtually a neighbour of the Orient.
The Kilim is more limited in its material and technical conditions than the knotted carpet, which allows for manifold formal solutions. Within its limits, however, Kilim art in the classic countries of origin attains a startlingly high degree of complexity. Here, abstraction is accompanied by a certain geometric compression of originally concrete elements (animals, plants or mythical creatures).
Morocco's carpet culture differs significantly from that of the rest - undoubtedly partly because of its location on the geographical periphery. Certain regional autonomies were able to develop much more freely here - further removed from the classical forms of the near East - and were received enthusiastically, especially in correlation with modern art, but also later.
The Moroccan carpet ought to be seen as closely related to narrative imagery and objects - often landscapes. In both colour and form, one can easily discern gentle dunes and the seasonal qualities of fields, meadows and deserts. Apart from these narrative Kilims, with their high visual impact, there is also the tradition of geometric abstraction. Not unlike in fine arts, this was also borne out in a duality between objective legibility or illusion, and abstract two-dimensionality. Such pieces are evidence of a complex compression of the strictly ornamental.
In cultures where the panel painting never gained traction, the question arises as to how this is compensated. In that sense, carpets, Kilims and various other textile products are also forms of painting, of a consciousness of imagery. These images follow a logic we know from very advanced forms of avant-garde art, such as multi-functionality. The basic artistic concept of carpets (and also of Kilims) includes, of course, their purpose and their function. Aesthetic autonomy, which is a prerequisite for occidental artworks of the modern and contemporary periods, is not applicable here. Here, one is dealing with images that exist not just to look at, but also to touch - visible painting and tactile sculpture.

Günther Holler-Schuster


Anton Petz - MÄCHTE UND MASSEN Anton Petz - MIGHT AND MASSES
Anton Petz - MÄCHTE UND MASSEN
25. November - 14. Dezember 2013

Wenn wir der Malerei von Anton Petz begegnen, stellen wir fest, dass sie sich eines gewissen Realismus bedient, narrative Abläufe erkennbar werden und die Themen eine gewisse allgemeine Aktualität aufweisen. Diese Aktualität hängt eng mit der Themenwahl des Künstlers zusammen, die sich im Wesentlichen aus der Vielfalt der Medienbilder speist. Politische Ereignisse und der Veränderungsprozess innerhalb einer von der Globalisierung dominierten Gesellschaft sind dabei wesentlich und bilden das inhaltliche Zentrum. Massenansammlungen unterschiedlichster Art von Demonstrationen über Flüchtlingsströme bis zu Freizeitaktivitäten, die in Massen stattfinden, können in diesen meist sehr großformatigen Gemälden als bestimmend wahrgenommen werden. Diese Akkumulation findet heute in seinen Bildern im Motivischen statt (Menschenmassen), während sie früher im Bezug auf das Material festellbar war (Farbhäufen). Seinen künstlerischen Beginn hat Anton Petz in den 1980er Jahren gefunden. In einer vom Diskurs um die Postmoderne angefeuerten Erscheinungsform der Malerei, die als "Neue Malerei", "Heftige Malerei" oder "Malerei der Jungen Wilden" tituliert wurde. In dieser Zeit der ausgehenden 1980er Jahren war für Petz klar, dass diese Entwicklung eine kurze und impulsive war, gleichzeitig aber auch als Befreiungsschlag für nachfolgende Malergenerationen wie die seine wirken konnte. Er begann mit dem Farbauftrag und den Bildformaten zu experimentieren. Immer dicker wurde die Farbe, die am Ende als Substanz begriffen wurde. Die Bildgestaltung blieb dabei teilweise lesbar - Stillleben, Portraits und andere klassische Themen - wurde aber mitunter auch vollständig abstrakt. Die Bildformate wurden kleiner, sodass die Proportion zwischen Farbauftrag und Bildgeviert ins Extreme gesteigert erscheint. Die kleinen Bilder muten mit ihrem massiven Farbauftrag nur mehr wie Farbklumpen an - es sind Farbobjekte. Aus der Nähe betrachtet sind diese Gestaltungen in hohem Maße abstrakt. Man kann somit feststellen, dass sich Anton Petz in seiner künstlerischen Praxis trotz aller Sinnlichkeit und Spontaneität, die beim ersten Hinsehen doch auffällig ist, einer analytischen Vorgangsweise bedient. Er folgt dabei gewissen Wegen, die bereits weit zurück liegen und das Medium Malerei bestimmen. So gelangt er zu einer konsequenten Weiterführung und Neudeutung bekannter Phänomene. Das Ausloten eines Mediums geschieht hier auf vielfältige Weise. War es zunächst die Erkenntnis, dass die Konzentration auf das Material weitreichende Folgen hatte und noch immer hat, so ist es im zweiten Schritt die Tatsache, dass der Materialdiskurs bis zum Mediendiskurs führt. Dieser wiederum bleibt nicht in der Verwendung per se stehen, sondern schießt die Wirkung des technischen Bildes auf alle anderen Bilder mit ein. Somit ist Anton Petz ein typischer Vertreter seiner Zeit und verbindet auf eindrucksvolle Weise Entwicklungen innerhalb der Kunst, wie auch solche innerhalb der Gesellschaft. Dass man durch Malerei die Welt verändern kann, glaubt er nicht, aber das Bild von der Welt und damit auch die Wahrnehmung unterschiedlicher Formen von Realität kann ein Maler wiedergeben und dadurch überhaupt erst wahrnehmbar machen.

Günther Holler-Schuster
















Anton Petz - MIGHT AND MASSES
November 25 - December 14 2013

Subject and substance. Painting and object. Crowd and individual. Power and powerlessness. Realism and abstraction. The works of Anton Petz move in the empty spaces and transitions between such notions. The Austrian artist's latest show, MIGHT & MASS, at Reinisch Contemporary, presents a selection of particularly expressive works, some of which have never been exhibited before.

In his current paintings, Petz reflects on impressions of a personal as well as of a mediated nature, ranging from encounters with large crowds in China or the increasingly numbed (and numbing) effect of news images. Slightly blurred, highly colourised depictions of refugees, soldiers and scenes of leisure populate Petz' large-format canvasses, where - thanks to their reincarnation as painting, the most traditional of art genres - they escape their original banality.

FRANZ YANG-MOČNIK UND
BENI OURAIN 
FRANZ YANG-MOČNIK AND
BENI OURAIN 
FRANZ YANG-MOČNIK UND BENI OURAIN
Zeichnungen, Gemälde, Teppiche
2. Oktober - 12. November 2013

Dass sich das Kreative nicht nur auf klassische Kategorien wie Zeichnung oder Malerei festlegen lässt, ist weitgehend bekannt. Die Avantgarden des 20. Jahrhunderts haben die Möglichkeiten sowohl im technischen als auch im inhaltlichen Bereich grundsätzlich erweitert. Ob eine Zeichnung auf einer Felswand oder auf einem Holzstück, mit Kreide oder mit Kugelschreiber entstanden ist, ist demnach sekundär. Die kulturellen Unterschiede, die heute in einer weitgehend globalisierten Gesellschaft wirksam werden, schaffen weitere überraschende Formen beispielsweise des Zeichnerischen oder des Malerischen. Gesellschaften, die das Tafelbild traditionell nicht kennen, wie die afrikanische, kompensieren die für uns so zentralen und bedeutsamen Kategorien der Bildwerdung in anderen technischen Sparten - u. a. der Textilkunst, Körperbemalung oder der Bemalung von Häusern.
Wenn die Galerie Reinisch Contemporary diesmal den in Graz lebenden Maler, Zeichner und Plastiker Franz Yang-Močnik gemeinsam mit marokkanischen Berberteppichen ausstellt, so mag das nur auf den ersten Blick wie eine Verkaufsstrategie anmuten. Die auf weiß grundierter Leinwand mit Kohle aufgebrachten Zeichnungen Yang-Močniks sind expressiv und zeugen von einem grundsätzlichen Existenzialismus, der den Menschen in seinem Sein durchaus ringend und leidend zeigt. Die meist weißen, mit schwarzbraunen Linien und Flächen gestalteten Teppiche (hauptsächlich Beni Ourain, Azilal, Bouschad oder Ourika), folgen einer Tradition, die uns abstrakt erscheint. Die Striche, Flecken, Zeichen und stilisierten Formen sind jedoch nur in der abendländisch-westlichen Wahrnehmung abstrakt. In der Kultur ihrer Herkunft Marokkos sind sie narrativ. Sie sind Symbole einer umfassenden Weltbeschreibung und eines sowohl konkreten und realen Lebenszusammenhanges als auch einer spirituellen Realität.
In Yang-Močniks Bildern, die eigentlich bezüglich ihrer Materialität und ihrer Machart sowohl dem Medium Zeichnung als auch der Malerei zugeordnet werden können, wird durch den gestischen Farbauftrag ein hoher Grad an Abstraktion erreicht. Während Yang-Močniks Bilder vom höchst subjektiv empfundenen eigenen Mikrokosmos ausgehen, sind die Teppiche der Berber zunächst der Natur, den Mythen und spirituellen Zusammenhängen eines Makrokosmos verpflichtet. Aber auch diese eher allgemein anmutende Ebene wird von den Künstlerinnen - es sind nahezu ausschließlich Frauen, die diese Teppiche produzieren - subjektiv erlebt. Ihre eigene Sprachlosigkeit innerhalb der gesellschaftlichen Ordnung lässt sie sich in den Zeichen und Symbolen der gewebten Realität ausdrücken.
Man kann im Vergleich zwischen den Tafelbildern und den Textilarbeiten höchst verblüffende Parallelen erkennen, so unterschiedlich sie auf den ersten Blick erscheinen mögen. Franz Yang- Močnik hat nicht bewusst auf diese Teppiche reagiert, vielmehr ist es ein momentaner Blickwinkel, der sich in dieser Kombination eröffnet und der letztlich auch den hegemonialen Kunstanspruch westlicher Prägung aufweicht, der in hier Kunst und dort Kunsthandwerk zu unterscheiden bereit ist, ohne kulturelle Unterschiede zu bedenken und in die Bewertung mit einzubeziehen.

Günther Holler-Schuster
FRANZ MOČNIK AND BENI OURAIN - Drawings. Paintings. Carpets.
October 2 - November 12 2013

It is widely known that creativity cannot be tied to classical categories such as drawing or painting alone. The avant-gardes of the 20th century fundamentally expanded the scope of art, both in terms of technique and content. Whether a drawing is done on a rock face or on a piece of wood, in chalk or ballpoint pen, is, consequentially, secondary. The cultural differences, which affect a largely globalised society, create further surprising forms of, for example, drawing and painting. Societies that traditionally do not practice panel or easel painting, such as in many parts of Africa, compensate this central and significant category of image creation through other technical genres - textile arts, body art or wall paintings, among others.
When the art gallery Reinisch Contemporary shows works by the Graz-based painter, graphic artist and sculptor Franz Yang-Močnik alongside Moroccan Berber carpets, this may, at first glance, appear like a sales strategy. Yang-Močnik's charcoal paintings on whitened canvas are expressive and testify to a basic existentialism, which depicts humans as struggling, suffering beings.
The carpets are predominantly white, with black-brown lines and plots - most are Beni Ourain or Azilal - and follow a tradition that may strike us as abstract. The bars, panels, symbols and stylised forms, however, appear abstract only to a Western perception. In the culture of their country of origin, Morocco, they are narrative. They are symbols of a comprehensive worldview and of a practical, real-life context as well as of a spiritual reality.
Yang-Močnik's paintings - which can actually, in their materiality and make, be attributed to the genres of both drawing and painting - attain a high degree of abstraction through the gestural application of colour. While Yang-Močnik's paintings emerge out of a highly subjective perception of his own microcosm, the carpets of the Berber people are beholden, first and foremost, to nature, myths and the spiritual contexts of a macrocosm. But even this relatively generalised dimension is perceived subjectively by the artists, traditionally almost all women. Their own speechlessness within the social hierarchy leads them to express themselves in the signs and symbols of a woven reality.
A comparison between these panel paintings and textile works illuminates highly perplexing parallels, no matter how different they might seem at first glance. Yang-Močnik did not consciously respond to these carpets; rather, the combination opens up a momentary viewpoint and ultimately macerates certain hegemonic cultural pretences of the Western persuasion, which are prepared to see one thing as art and another as handicraft, without considering cultural differences and factoring them into the assessment.

Günther Holler-Schuster
Alfred Klinkan - WUNDERWELTPLAN*   Alfred Klinkan - WUNDERWELTPLAN* 
Alfred Klinkan - WUNDERWELTPLAN*
16. September - 12. Oktober 2013

*Der Titel stammt vom gleichnamigen Gedicht Alfred Klinkans aus dem Jahre 1978

Vor knapp 20 Jahren starb überraschend Alfred Klinkan. Er war ein künstlerischer Einzelgänger und Außenseiter. Bereits in den frühen 1970er Jahren studierte er in Wien an der Akademie der bildenden Künste bei Mikl und Hollegha. Er setzte damals auf Malerei, was in Zeiten der Performance-, Konzept- und beginnenden Medienkunst bereits anachronistisch zu sein schien.
Die nahezu psychedelisch anmutenden Farbexplosionen der 1980er Jahre waren zu dieser Zeit zwar latent vorhanden, aber zunächst war Klinkan mit Experimenten beschäftigt, die sowohl malerische als auch konzeptuelle Überlegungen bündelten. Seine Affinität zur Literatur - er schrieb auch Gedichte und kurze Prosa - erweiterte zusätzlich noch den narrativen Gehalt in seinem Werk. Ein kindlicher Witz, der manchmal auch fast ins Obszöne kippen konnte, durchzog sein Werk von Beginn an. Erinnerungen an die Märchen- und Bilderbuchwelt der Kindheit und die intensive Beschäftigung mit Fabeln und Mythen unterstreicht die Vielfalt des Klinkanschen Kosmos.
Die Galerie Reinisch Contemporary zeigt jetzt Arbeiten des so früh verstorbenen Pioniers der "Neuen Malerei". Der Schwerpunkt liegt dabei in der Übergangsphase vom Konzeptuellen zum Malerischen. Seine Materialverwendung war in den 1970er Jahren sehr experimentell. Klinkan verwendet verschiedene bedruckte Papiere (Landkarten, Geschenkspapier, Schnittmuster) oder Bilder aus Illustrierten als Malgrund, zum Collagieren, aber auch als bereits bestehendes Gestaltungselement, das er zeichnerisch oder malerisch erweitert. Seiner überbordenden Kreativität ist es auch zuzuschreiben, dass er grundsätzlich alles was ihn umgeben hat, als Fläche bzw. Raum für Kunst angesehen hat. Alle Formen des Lebens, auch das Spiel mit den Kindern, geriet bei ihm zur Kunst - zur Performance, zum Konzept, zum Bild. Die doppelbödige Naivität und der damit verbundene Humor seiner Kunst, die sich in seinen späteren Gemälden noch weiter verdichten und ausformulieren werden, übertrugen sich selbstverständlich auf das reale Leben, das Klinkan oft auch als Story, als Comic oder überhaupt als Wunder begriff.
Seine koloristische Phase begann mit den 1980er Jahren, als er sich lange in Antwerpen aufhielt und dort auf die Kunst des Adrien Brouwer (1605-1638) stieß. Der Holländische Genremaler mit dem präzisen Blick auf des Volkes Schwächen, Lüste und Genüsse, die er in seinen Kleinformaten darstellte, verleiteten Klinkan dazu, die turbulente Szenerie Brouwers aufzunehmen und seinerseits im nahezu maßlosen Überformat wiederzugeben. Scheinbare Beiläufigkeiten und intime Szenen werden im Großformat erhöht und bekommen die Bedeutung, die sie in dem Moment für die Dargestellten haben. Die Auseinandersetzung mit dem Werk dieses "Künstlerkollegen" war für Klinkan ein wesentlicher Impuls für seine weitere Vorgangsweise. Seine Farben werden immer greller und bunter. Er verwendet sehr viel Zeit und Energie, um am Material zu arbeiten - es in seiner Wirkung zu steigern. Wie ein Alchimist - eine Figur die ihn besonders faszinierte - versucht er dem Material die kostbarste Güte zu entlocken. Das Glühen und die immaterielle Leuchtkraft dieser typischen Bilder aus der ersten Hälfte der 1980er Jahre gehen auf diese exzessive Materialbehandlung zurück.
Aus heutiger Sicht ist Alfred Klinkan kein nostalgischer Maler, wie man Künstler seiner Art gerne wahrnimmt, sondern sein Zugang zum Medium Malerei ist viel aktueller als man es zuerst glauben möchte. Der hohe Grad an Experiment und Konzeptualität, seine Lust am Performativen, Poetischen und Kreativen im Allgemeinen ist weitestgehend ausgeprägt. Die ironische Distanz, die der Künstler sich selbst gegenüber hatte, übertrug sich auch auf das Medium Malerei. Klinkan scheint sich mit der Malerei eingelassen zu haben, gerade weil es sich dabei damals schon um etwas Anachronistisches handelte.
Die gegenwärtige Entwicklung innerhalb der Malerei mit ihren multimedialen und materialexperimentellen Ansätzen betrachtend, kann man Alfred Klinkan heute als höchst aktuelle Position wahrnehmen - vor allem sein frühes Werk wirkt verblüffend frisch und jung.
Diese Ausstellung in der Galerie Reinisch Contemporary versucht vor allem das Frühwerk Alfred Klinkans zu betonen, das sich sehr stark an konzeptuellen Methoden der Kunst orientiert. Seine Arbeiten auf Papier und seine Collagen bzw. auch die installativ eingesetzten Objektbilder, die wie Details aus Gemälden anmuten, zeigen einen höchst variantenreichen und nicht ausschließlich auf die traditionelle Malerei konzentrierten Künstler. Einige von Klinkans bekannten koloristischen Werken aus den 1980er Jahren werden hier auch zu sehen sein. Die meisten Arbeiten jedoch wurden sehr selten oder schon lange nicht mehr gezeigt - einige überhaupt noch nie. Somit bietet diese Ausstellung einen umfangreichen Blick auf einen bedeutenden Künstler, dessen Werk gerade heute angesichts der Entwicklung innerhalb des Mediums Malerei wieder verblüffend aktuell erscheint.

Günther Holler-Schuster
Alfred Klinkan - WUNDERWELTPLAN*
September 16 - October 12 2013

*The title originates from an eponymous poem by Alfred Klinkan from the year 1978

Nearly 20 years ago, Alfred Klinkan passed away unexpectedly. He was an artistic loner and outsider. In the early 1970s, he studied at the Academy of Fine Arts in Vienna under Mikle and Hollega. He applied himself to painting, which, in an era of performance, concept and incipient media art, already seemed anachronistic at the time. The almost psychedelic colour explosions of the 1980s were already latent, but, to begin with, Klinkan was busy with experiments that combined painterly and conceptual contemplations. His affinity for literature - he wrote poems and short stories - further expanded the narrative content of his work. A child-like humour, which could at times tip over into obscenity, infused his work from the start. Memories of fairy tales and picture-book worlds of childhood and an intensive examination of fables and myths underline the diversity of the Klinkan cosmos.

The art gallery Reinisch Contemporary presents works by the prematurely deceased pioneer of 'new painting', with a focus on the transitional period from conceptual art to painting. His use of materials in the 1970s was experimental. Klinkan used different printed papers (maps, wrapping paper, sewing patterns) or images from magazines as a canvas, for collages or as existing design elements, which he would expand on by drawing or painting on them. Due to his exuberant creativity, he perceived, as a matter of principle, everything in his surroundings as a surface or a space for art. With him, all aspects of life, even child's play, came out as art - as performance, as concept, as image. His ambiguous naiveté and the attendant humour of his art, which would intensify and evolve in his later paintings, naturally transferred themselves into real life, which Klinkan often understood as a story, as a comic or even as a miracle. His colouristic phase began with the 1980s, when he spent much time in Antwerp and discovered the art of Adrien Brouwer (1605-1638). The Dutch genre painter with his precise observation of society's weaknesses, lusts and indulgences, which he captured in small formats, led Klinkan to adopt Brouwers turbulent settings and reproduce them in seemingly excessive oversize. Apparently random details and intimate scenes were heightened by the large format and instilled with the momentary significance they held for those depicted. Klinkan's examination of the work of this 'artist colleague' was an essential impulse for his further approach. His colours became ever flashier and more colourful. He dedicated a lot of time and energy to working on the material itself - to increase its impact. Like an alchemist - a figure he was especially fascinated with - he tried to elicit precious qualities from his materials. The glow and immaterial luminance of these typical paintings from the first half of the 1980s can be traced back to this excessive treatment of materials.

From today's point of view, Alfred Klinkan is no nostalgic painter, as artists of his kind are often perceived; instead, his approach to the medium of painting is much more topical than one might at first expect. The high degree of experimentation and conceptuality as well as his gusto for the performative, the poetic and the universally creative are pronounced to the greatest possible extent. The ironic distance the artist kept to himself transferred itself into the medium of painting. Klinkan seemed to engage with painting specifically because it was already seen as an anachronism back then.

In view of contemporary developments in painting, of multimedia approaches and material experiments, Alfred Klinkan's art can be seen as a highly current - especially his early works appear startlingly fresh and young.

In this exhibition, Reinisch Contemporary attempts to particularly emphasise Alfred Klinkan's early work, which is strongly influenced by methods of conceptual art. His works on paper and his collages, but also his installation-like object-images, which appear like details of paintings, showcase a highly versatile artist who did not concentrate on traditional painting alone. Some of Klinkan's well-known colouristic works from the 1980s will also be on show. Most of the works, however, have only been displayed rarely or not for a long time - some have never been shown before. As such, this exhibition offers a comprehensive look at a significant artist, whose work appears perplexingly topical, particularly in view of recent developments within the medium of painting.

Günther Holler-Schuster

Alfred Klinkan
Alfred Klinkan
Alfred Klinkan
FRIENDS AND LOVERS IN
UNDERGROUND 
FRIENDS AND LOVERS IN
UNDERGROUND 
FRIENDS AND LOVERS IN UNDERGROUND
Schloss Kalsdorf
7. & 8. September 2013

Das wachsende prozessorientierte KünstlerInnenkollektiv Friends and Lovers in Underground lädt zu einem großen Sommerfest vom 7. auf den 8. September im Schloss Kalsdorf bei Ilz ein. Friends and Lovers in Underground wurde 2010 von einer Reihe junger KünstlerInnen in Hamburg initiiert. Die Thematik des Untergrunds, der Aufbau alternativer Strukturen, die nicht-hierarchische Gleichzeitigkeit von Haltungen und Standpunkten spielen eine bedeutsame Rolle. Das Verweben der Teppichsammlung und der ausgestellten Kunstwerke von etwa 60 zeitgenössischen KünstlerInnen wird in einer eigens produzierten Architektur sichtbar. Die geladenen KünstlerInnen werden unter Einbeziehung dortiger Artefakte und ihnen zur Verfügung stehender Sammlungen wichtiger kunsthistorischer Werke, eine Gesamtinstallation und ortsspezifische Performances entwickeln. Ausserdem wird es eine Revue verschiedener Hamburger und Grazer KünstlerInnen und MusikerInnen geben.

Weitere Informationen unter friendsandloversinunderground.de
FRIENDS AND LOVERS IN UNDERGROUND
Kalsdorf Castle
September 7 and 8, 2013

Friends And Lovers in Underground Following stints in Paris and Zurich, the Friends and Lovers caravan's next stop-off is our 16th century castle in the Kalsdorf/Ilz. The event weaves together the castle's architecture, a collection of rare carpets held there and artworks by 60 contemporary artists, presented via specially made temporary architecture. The invited artists will use local artefacts, as well as collections of important works of art history made available to them, to create a collective installation and site-specific performances. The event also includes a line-up of various artists and musicians from Hamburg and Graz. The mini-festival at Kalsdorf Castle includes new works inspired by and involving the carpet collection loaned to the artists by Helmut Reinisch, who spent decades developing the castle from an empty ruin into a mixed-use residential and cultural space. The collaboration puts contemporary art into creative dialogue with textile arts from various nomadic cultures, an opportunity to explore their multifarious use of patterns and colours as a form of expression. The presence of centuries-old textiles expands the encounter by conjuring up cultural ancestry.

Further informationen: friendsandloversinunderground.de

Friends & Lovers
Friends & Lovers
Friends & Lovers
Friends & Lovers
Alois Mosbacher - ALB  Alois Mosbacher - ALB 
Alois Mosbacher - ALB
17. Juni - 20. Juli 2013

Früh hat der Mensch schon begonnen, die ihn umgebende Natur zu zähmen. Mit dem Einschlagen des ersten Holzpflockes in die Erde und mit dem Aufeinandertürmen der ersten Steine entstand die gestaltete Natur - der Lebensraum des Menschen. Von der Funktion bestimmt war diese Zurichtung der Wildnis zunächst, bis die Welt mehr und mehr zu einer artifiziellen Bühne des menschlichen Agierens wurde. Seitdem sind wir Rollenspieler geworden, die unterschiedlichen Imaginationen von Natur und Umwelt bereit sind zu folgen. Die Welt ist nicht nur zum Bild geworden, sondern auch zur Performancebühne bzw. zum hochtechnologisch dominierten und komplexen Lebens- und Handlungsraum. Selbst das sehnsuchtsvoll gesuchte Unberührte ist gleichsam gestaltetes Unberührtes, das einer grundsätzlichen Vorstellung von Ursprünglichkeit folgt - vermittelte Ursprünglichkeit.
Alois Mosbacher, der sich als Maler diesen grundsätzlichen Prozessen annähert und sie in seiner Kunst umsetzt, zeigt die Spur des Lebewesens, das dieser im Environment. Nahezu unbemerkt ergeben sich dabei Räume, die der Wirklichkeit entnommen sind und im Bild vom Interventionismus des Menschen in Bezug auf die Natur berichten. Mosbachers Kunst war nie ausschließlich den formalen Problemen der Malerei verpflichtet. Genauso wenig hat er mit seiner Arbeit eine missionarische Aufgabe als Künstler übernommen, um die Fehlentwicklungen des menschlichen Handelns anzuprangern.
Es ist die formale Qualität des schaffenden Menschen (Homo Faber), die Mosbacher in seiner Malerei anspricht. In den einfachen Hütten und Verschlägen, die sich meist im Wald befinden, trifft sich der Mensch mit dem Animal laborans (dem arbeitenden Tier) - arbeiten und gestalten zur Existenzsicherung. Alois Mosbacher sucht diese Spuren praktischer Intelligenz in der Natur auf, um sie zugleich als skulpturale Elemente, wie auch als Zeugnis aktiven Handelns ins Bild zu setzen. Bienenstöcke und Holzstapel, Geäst und Baumstämme sind daher auch die bestimmenden Bildelemente, die sich nicht ausschließlich auf die Bildfläche beschränken lassen, sondern durch ihre Präsentationsform den installativen Charakter der Malerei von Alois Mosbacher unterstreichen.
Die Galerie Reinisch Contemporary zeigt in dieser Ausstellung neueste Arbeiten von Alois Mosbacher, der zweifellos eine der spannendsten Positionen innerhalb der aktuellen Malereientwicklung in Österreich darstellt. Der Künstler entwickelt in seinen jüngsten Arbeiten sein Vokabular weiter, verdichtet es und nimmt sogar zitathaft Bezüge zu Formulierungen seiner eigenen künstlerischen Entwicklung wieder auf. In seiner vom Grafischen dominierten Malerei kommen dabei Motive und Themen aus der Vergangenheit gleichsam als evolutionäre Weiterentwicklungen erneut vor.

Günther Holler-Schuster

































Alois Mosbacher - ALB
June 17 - July 20, 2013

English description of the exhibition coming soon.

Mosbacher 1
Mosbacher 2
Mosbacher 2
FABRIZIUS2  FABRIZIUS2 
Irina und Marina Fabrizius - FABRIZIUS2
6. Mai - 8. Juni 2013

Die beiden ursprünglich aus Kasachstan stammenden, jetzt in Düsseldorf lebenden und an der dortigen Akademie bei Herbert Brandl studierenden Zwillingsschwestern Irina und Marina Fabrizius beschäftigen sich in ihrer Kunst mit einem der grundsätzlichsten und ältesten Topoi der Malerei - dem Licht. Natürliches Licht, abhängig von Jahres- und Tagezeiten sowie künstliches Licht, vom Kerzenlicht bis zum Monitorlicht, bestimmen grundsätzlich die Darstellung der sichtbaren Welt. Licht ist somit die Basis des visuellen Wahrnehmens.
Nordlicht, Sonnenunter- und aufgang, Morgenröte, Blitze und diverse andere Wetter- bzw. Klimaerscheinungen zeichnen sich oft eindrucksvoll am Himmel ab. Das Firmament wird so zur gigantischen Projektionsfläche, die das Schauspiel Natur begleitet bzw. es überhaupt zu einem solchen werden lässt.
Die Schwestern Fabrizius, die gemeinsam an ihren Bildern arbeiten, sind nicht so sehr interessiert an der Art und Weise, wie sich die Landschaft oder die Gegenstände in einer bestimmten Lichtsituation zeigen, sondern sie fokussieren auf das immaterielle Bild, das dem Licht selbst eigen ist. In unzähligen Farbschichten erreichen sie einen Zustand im Bild, der scheinbar nicht mehr benennbar ist. Ob man Mark Rothkos spirituelle Farbräume oder die Mehrschichtlackierungen der amerikanischen "Lowrider" vor Augen hat, fast immer ist es der immaterielle Farbraum, der sich in einer Form des Bildes manifestiert. Der direkte Einsatz von Licht, bspw. bei James Turrell oder Dan Flavin, ist zweifellos auch natürlichen Ursprungs, trotzdem entsteht aber der Eindruck der Projektion, des Bildes. Die technischen Bildmedien wie Computer, Video, Film und Foto haben den Prozess der Bildwerdung von Natur massiv unterstützt.
Somit kann man heute zu dem Schluss kommen, dass die Welt zum Bild geworden ist und wir uns gleichsam in einem Zustand des Imaginativen bewegen, wenn wir von Natur sprechen.
Die ästhetische Einstellung richtet sich grundsätzlich auf den sinnlich wahrnehmbaren Bereich der lebensweltlichen Wirklichkeit des Menschen, der ohne sein Zutun entstanden ist und entsteht. In der Konsequenz wird die Natur durch Ästhetisierung zu einem Stück äußerer Welt, das so erscheint, als hätte es nun die innere Artikuliertheit von Kunstwerken. Der sinnliche Zusammenhang der natürlichen Szene bzw. des natürlichen Objekts wird zu einem Sinngefüge neuer Art - wird zum bildsinnlichen Zeichen im Stil der Kunst.
Dieser Transformationsvorgang von tatsächlicher Realität ins Bild wird im malerischen Werk der Schwestern Fabrizius eindrucksvoll sichtbar. Licht in natürlicher Form als Projektionsbild am Himmel ist dabei als Ausgangspunkt entscheidend. In der Ausschnitthaftigkeit und der scheinbar materiellen Unentschiedenheit zwischen Malerei und Fotografie entsteht das Bild, das plötzlich nur mehr eine Erinnerung an den ursprünglichen Sinnzusammenhang der tatsächlichen Naturerscheinung ist.
Fabrizius² scheinen uns mitteilen zu wollen, dass unser Naturverständnis von der Vorstellung einer Bildrealität bestimmt ist und wir uns nicht zuletzt deswegen, auch die Natur als Bild zurichten. Damit wird sie erfassbar, kategorisierbar und als Lebens- und Erholungsraum erfahrbar.

Günther Holler-Schuster

















Irina and Marina Fabrizius - FABRIZIUS2
May 6 - June 8, 2013

This process of transformation from actual reality into painting becomes impressively visible in the work of the Fabrizius sisters. Light in its natural form as a projection in the sky serves as a point of departure here. The image, which is suddenly just a memory of the original sensory context of the actual natural phenomenon, arises from the fragmentary nature and the seemingly immaterial indecisiveness between painting and photography. Fabrizius2 appear to want to convey to us that our understanding of nature is determined by a conception of a pictorial reality on the basis of which we adjust nature into an image. Thereby it becomes a space that can be ascertained, categorised and experienced as a space of life and recreation.

Günther Holler-Schuster

Fabrizius2 1
Fabrizius2 2
Fabrizius2 4
Hans Kupelwieser - REFLEXIONEN  Hans Kupelwieser - REFLECTIONS 
Hans Kupelwieser - REFLEXIONEN
25. Februar - 23. März 2013

Spiegel und Teppiche haben neben ihrer Funktion als prunkvolle Ausstattung von Räumen, zahlreiche weitere Bedeutungen. Sie stehen selbst in engem Bezug zum Raum. Der Teppich ist letztlich eine Imagination von Raum - Gebetsraum, Lebensraum, Innenraum, Außenraum. Er stellt eine frühe Form der virtuellen Realität dar. Ebenso der Spiegel, als eines der frühesten Bilder, wie der Schatten nicht von Menschenhand gemacht, sondern bereits in der Natur vorhanden, gibt er seine Umgebung wieder und erzeugt so eine Art virtuelle Realität.
Hans Kupelwieser, dessen Werk grundsätzlich zwischen der realen Welt des Materials, der Skulptur und der illusionistischen Welt der Fotografie, des Bildes angesiedelt ist, versucht in dieser Ausstellung die antiken Teppiche und den Spiegel in der Fotografie zu verbinden. Die spiegelnden Skulpturen verzerren durch ihre unregelmäßigen Oberflächen die Umgebung und erzeugen dadurch neue verzerrte bzw. segmentierte Raumstrukturen. Man kann sagen, dass hier auf analoge Weise virtuelle Ebenen im realen Raum entstehen. Plötzlich hat man es neben der kunsthandwerklichen, der skulpturalen und der fotografischen Ebene, eminent mit Architekturfragen zu tun. Zugleich verdichten sich in Kupelwiesers Installation hier scheinbare Gegensätze wie Bild, Objekt, Kunsthandwerk und Architektur zu einer Einheit, die sich wiederum sowohl als Bild, als Skulptur aber auch als architektonisches Problem lesen ließe.
Die Installation von Hans Kupelwieser besteht aus zwei Skulpturen mit spiegelnden unregelmäßig zerknitterten Oberflächen, aus hochwertigen antiken Teppichen und aus Fotografien. Der Künstler interveniert hier, wie an anderen Orten zuvor schon, direkt in seine Umgebung und lässt diese gleichsam Teil seines künstlerischen Kalküls werden. Die Rezeption ist unterschiedlich vorstellbar. Es kommt auf den Standpunkt an - ist es Fotografie, Bildhauerei, Architektur, Installationskunst und ist das nicht auch mit der Vorstellung und der Funktion des Teppichs vereinbar. Ein höchst komplexes Gedankenspiel wird hier mit scheinbar einfachen Mitteln erzeugt - ein Labor der Wahrnehmung.

Günther Holler-Schuster
Hans Kupelwieser - REFLECTIONS
February 25 - March 23 2013

Mirrors and carpets have numerous significations apart from their function as magnificent room interiors. They themselves are in close relation to the room. The carpet is, in the end, an imagination of space - space for prayer and life; space within and without. It represents an early form of virtual reality. As does the mirror, one of the earliest images, which, like the shadow, was not manmade but already present in nature. It depicts its surroundings and in doing so creates a kind of virtual reality.

Hans Kupelwieser's work, as a matter of principle, resides between the real world of the material and the sculpture, and the illusionistic world of photography and the image. In this exhibition, Kupelwieser attempts to fuse antique carpets and mirrors in photography. The specular sculptures, with their uneven surfaces, distort the surroundings and create new, warped, or rather segmented, spatial structures. One could describe this as an analogue process giving rise to virtual spheres in real space. Suddenly, one is dealing not just with layers of craftwork, sculpture and photography, but also of architecture. Simultaneously, Kupelwieser's installations consolidate ostensible contradictions into a unit, which in turn could be read as image or sculpture but also as an architectural problem.

Hans Kupelwieser's installation consists of two sculptures with reflective, irregularly crinkled surfaces, of antique carpets and of photographs. Here, as in other places before, the artist intervenes directly in his surroundings, allowing them to become part of his artistic calculus. Its reception can be imagined in different ways. It depends on the viewpoint - is it photography, sculpture, architecture, installation art, and is it not also compatible with the conception and function of a carpet? A highly complex intellectual game is created with seemingly simple means here - a laboratory of perception.

Günther Holler-Schuster

Kupelwieser 1
Kupelwieser 2
Kupelwieser 3
Hubert Schmalix -
FARBREGEN IM BAMBUSWALD  
Hubert Schmalix -
COLOUR RAIN AT THE BAMBOO GROVE 
Hubert Schmalix - FARBREGEN IM BAMBUSWALD
19. Dezember 2012 - 1. Februar 2013

Neueste Bilder von Hubert Schmalix anlässlich seines Sechzigsten Geburtstages in der Galerie Reinisch Contemporary

Bevor ihr einen Bambus malt, muss er erst in eurem Innersten sprießen. Erst dann, mit dem Pinsel in der Hand und mit konzentriertem Blick, entsteht vor euren Augen die Vision. Diese Vision müsst ihr mit dem Pinsel erfassen, denn sie kann ebenso plötzlich verschwinden wie der Hase beim Anmarsch des Jägers.

Su Dongpo (1037-1101)

Das Hauptthema der Kunst von Hubert Schmalix war immer die Malerei an sich. Niemals wollte er mit diesem Medium etwas anderes erreichen, als das, was ohnehin in ihm vorhanden ist. Die Inhalte und Motive waren dabei weitestgehend festgelegt und eingeschränkt. Das Repertoire reicht von Akten über Häuser und Christusdarstellungen zu Interieurs, Blumen und jüngst Bambus. Mit der Einfachheit der Motive geht auch die Reduktion des Erzählerischen einher. Alles in den Bildern von Hubert Schmalix wirkt verlangsamt, schematisiert oder vereinfacht und gibt so den konzentrierten Blick auf das malerische Geschehen frei. Mit den Mitteln einer gleichsam seriellen Malerei - als zusätzliches Element - erreicht er die Transformation des mimetischen in einen abstrakten Bildbegriff. Die Akte, genauso wie die gerade entstandenen Bambusbilder hatten nie das Ziel, die Realität wiederzugeben, vielmehr sind sie kleine Ausschnitte der nahezu unendlich erscheinenden Möglichkeiten der Bildwerdung. Man könnte in der Serialität ein der Naturwissenschaft verwandtes Vorgehen von Messen und Beobachten vermuten, gleichsam ein Studium der optischen Veränderbarkeit durch Licht und Schatten, welches in der Malerei zu unerwartet extremen Farbentscheidungen führen kann.
Bambus als Inbegriff des exotischen Lebensstils, nahezu ikonisch innerhalb eines modernen Gestaltungskanons, sowohl innerhalb des Designs als auch in der Gartengestaltung, ist in den neuesten Bildern von Hubert Schmalix das Hauptmotiv. Durch ihre einfachen Formen - statische modulartige Stämme und im Gegensatz dazu zarte und sich ständig in Bewegung befindende spitze Blätter - sind diese Gewächse bereits innerhalb der traditionellen chinesischen Malerei ein zentraler Topos gewesen. Im Malen von Bambus, durch die dazu notwendige Strichführung der Kalligraphie verwandt, konnte der Meister sein malerisches Virtuosentum demonstrieren. Die scheinbare Einfachheit des Motivs führt das Betrachterauge direkt an die Delikatesse der Malerei. Farbgebung und Strichführung sind es, die das Motiv bzw. den narrativen Gehalt in sich nahezu absorbieren. Die Sinnlichkeit der Farbe erzeugt die Sensation im Alltäglichen, im Unscheinbaren und gibt den Bildern von Hubert Schmalix ihren unverwechselbaren Charakter. Dieser wiederum besteht in der Transformation in eine Realität, die wir alle zu kennen glauben, die jedoch so nicht existiert.

Günther Holler-Schuster
Hubert Schmalix - COLOUR RAIN AT THE BAMBOO GROVE
December 19 - February 1 2013

Hubert Schmalix, intrepid protagonist of the 'wild youth' art movement, celebrates his 60th birthday. An occasion he chooses to mark with a special exhibition of never-before-seen large format paintings in his hometown of Graz, Austria. To be precise, at Reinisch Contemporary, the gallery of his long-standing friend and early collector, Helmut Reinisch.
With Colour Rain at the Bamboo Grove, Schmalix celebrates both a round birthday and a new series of paintings: his 'bamboo paintings' deal with the plant as an epitome of exotic lifestyles; as an icon of the modern art and design canon. The seeming simplicity of the motif leads the eye of the observer straight to the delicacy of painting itself. Colouring and brush stroke almost entirely absorb the motif, or rather, the narrative content.
Colour Rain at the Bamboo Grove encompasses the latest works by the seminal L.A.-based artist, who earned international recognition in the late 1970s and early 1980s as a trailblazer of Austrian contemporary art. Incredible colouring, new visual themes and an insistent variety characterise his current work, in which the influence of his American surroundings and his asiaphile collector's passion come together. This passion turns his paintings into fascinating, fragmentary glimpses into his universe.

Curator Günther Holler-Schuster about Colour Rain at the Bamboo Grove:
"Everything in the paintings of Hubert Schmalix appears decelerated, diagrammed or simplified, and opens up the concentrated gaze to the act of painting. Through the means of quasi-serial painting - as an added element - he achieves the transformation of the image concept from mimetic to abstract. The nudes, as well as the recently created bamboo paintings, never pursue the goal of representing reality. Rather, they are small fragments of the seemingly endless possibilities of image creation."
As in his other motifs, which range from nudes, houses and Christ figures to interiors and flowers, Schmalix uses the sensuality of colour in his bamboo paintings to create sensations in the mundane, in the non-descript. What bestows his paintings with their unmistakable character is the transformation of a reality we all assume to know, but which does not exist as such.

Farbregen 5
Farbregen 4
Farbregen 2
CONTEMPORARY STILL LIFE  CONTEMPORARY STILL LIFE 
CONTEMPORARY STILL LIFE
15. Oktober - 10. November 2012

Erwin Bohatsch, Herbert Brandl, Seiichi Furuya, Robert van der Hilst, Christian KRI Kammerhofer, Rudi Molacek, Fritz Panzer, Anton Petz, Gerwald Rockenschaub, Hubert Schmalix, Maria Serebriakova, Margriet Smulders, Tjalf Sparnaay

Seit jeher werden Stillleben in ihrer Huldigung des Profanen und Genüsslichen als eine Schnittstelle von Kunst und Leben gesehen. Dem Alltäglichen wird eine ästhetische Ebene zuerkannt, die nicht selten die Darstellung der Zeit und insbesondere deren Vergänglichkeit mit einschließt.
In der Kunstgeschichte häufig geschmäht ob ihrer scheinbaren Abkehr von jedem intellektuellen Anspruch, wurde diese Gattung gerade deshalb im 19. Jahrhundert begeistert von jenen Künstlern wiederentdeckt, die sich vom steifen Diktat der Akademien abgrenzen wollten. Als im 20. Jahrhundert die Möglichkeiten des Tafelbildes den künstlerischen Ansprüchen nicht mehr genügten, erweiterte die Entwicklung der Objektkunst die Rezeption des Stilllebens um den Aspekt der haptischen Erfahrbarkeit. Die aktuelle Vielfalt in der Kunst bietet ein weites Spektrum an Medien. So ist manch prächtiges Ölbild tatsächlich eine Fotografie und zarte Grafiken werden zu Objekten, sinnliche Naturdarstellungen entpuppen sich in einer adaptierten Form des Nature Morte als treffsichere Kritik an der menschlichen Destruktion und konkret technoide Kompositionen zeugen nur mehr von der Erinnerung eines Objektarrangements oder seiner Transformation.
Die gegenwärtige Auseinandersetzung auf diesem Gebiet reicht, von der Darstellung gefangenen Lebens - ganz im Sinne der Zeit und ihres Fortschreitens - über die sinnliche Adaption bekannter Werke bis hin zur Aufwertung von Abfall als Glorifizierung des Profanen, weit über die allgemein konditionierte Vorstellung des Stilllebens hinaus. Diese Ausstellung beschäftigt sich mit den Möglichkeiten zeitgenössischer Ausdrucksformen auf diesem Gebiet und zeigt anhand von Beispielen aus Österreich, Deutschland, der Niederlande, Frankreich und China auf welche Weise die Begrifflichkeit dieser Gattung für aktuelle künstlerische Fragen adaptiert wird.

Manuela Schlossinger
CONTEMPORARY STILL LIFE
October 15 - November 10 2012

Erwin Bohatsch, Herbert Brandl, Seiichi Furuya, Robert van der Hilst, Christian KRI Kammerhofer, Rudi Molacek, Fritz Panzer, Anton Petz, Gerwald Rockenschaub, Hubert Schmalix, Maria Serebriakova, Margriet Smulders, Tjalf Sparnaay

With its obeisance to the profane and pleasurable, the still life has always been seen as an interface between art and life. The mundane is imbued with an aesthetic dimension, which often encompasses the representation of time and its transience.
Often reviled by art history due to its seeming renunciation of intellectual rigour. For that precise reason, artists who wanted to delineate themselves from the stiff dictate of the academy rediscovered the still life in the 19th century. When the scope of panel painting became inadequate for the artistic demands of the 20th century, the development of constructive art expanded the domain of the still life to include haptic experience. The current diversity in art provides a broad spectrum of media: many a glorious oil painting is actually a photograph and tender graphics become objects; sensual representations of nature turn out to be adapted forms of Nature Morte as an unerring critique of human destruction and concrete technoid compositions are nothing but remnants of a memory of an arrangement of objects and its transformation.
Contemporary debates in this field reach far beyond the commonly conditioned conception of the genre, from the representation of caged life - very much in terms of time and its passage - via the sensual adaptation of well-known works, to the revaluation of waste as a glorification of the profane. This exhibition explores the possibilities of contemporary forms of expression in this field using examples from Austria, Germany, the Netherlands, France and China to show the ways in which the concept of the still life is being adapted for current artistic enquiries.

Manuela Schlossinger

Still life
Still life
Still life
Erwin Bohatsch - DIE VIELFALT
DES ALLERNOTWENDIGSTEN  
Erwin Bohatsch - DIVERSITY OF
REDUCTION 
Erwin Bohatsch - DIE VIELFALT DES ALLERNOTWENDIGSTEN
24. September - 13. Oktober 2012

Die Vielfalt des Allernotwendigsten
Erwin Bohatsch hat sich sicher aus dem Begriffszusammenhang "Neue Malerei", der in den 1980er Jahren für eine neue Hinwendung zur Sinnlichkeit innerhalb der Malerei und der Kunst allgemein in Österreich geprägt wurde am schnellsten entfernt. Seine Kollegen sind dem mehr oder weniger bis heute verpflichtet geblieben. Die anfängliche Erzählfreude und gegenständliche Darstellungsweise von Resten archaischer und scheinbar entlegener Mythologien hat Bohatsch bald abgelegt und ist in eine analytische Auseinandersetzung mit der abstrakten Malerei eingetreten, die ihn zu einem der radikalsten Vertreter innerhalb dieses Mediums hierzulande werden ließ.
Erwin Bohatschs neueste Arbeiten sind von einem Ringen um das Allernotwendigste innerhalb der Malerei gekennzeichnet. Die Reduktion, sowohl des Materials als auch der farblichen Vielfalt, kennzeichnen seinen Weg entlang einer Linie, die handwerkliches Anstreichen von künstlerischem Ausdruck trennt. Die minimal, meist auf nichtgrundierte Leinwand aufgebrachte Farbsubstanz (meist schwarz) erweckt den Eindruck des Nebenproduktes bzw. des Primären. Erst der kulturelle Kontext der Malerei lässt das Gesehene zum spannungsreichen Versuch werden, die Malerei soweit zurückzunehmen, dass sie zur eigenen Erinnerung wird. Die Reste von Malerei auf der Leinwand, die wie das Resultat vom Arbeiten mit Schablonen anmuten, zeugen von der Prozesshaftigkeit des Mediums, aber auch von den Bemühungen des Künstlers, dieses vom Pathos zu befreien, das es letztlich immer wieder zum eigenen Ende hinführt.
Erwin Bohatsch geht in seinen neuesten Arbeiten radikaler vor als je zuvor. Der Zusammenhang zwischen visuellen Resten und einer kulturellen Prägung, die diese in den formalen Kanon aufnimmt, ist hier besonders spürbar. Er scheint dem Publikum mitteilen zu wollen, dass es letztlich auch an ihm liegt, was als Malerei noch wahrgenommen werden kann. Dadurch, dass aber jeder formale Schritt auf der Leinwand eine exakte Überlegung und Reflexion des Künstlers als Ausgangspunkt hat, ist Bohatschs Vorgehen konzeptuell und in hohem Maße sinnlich erfassbar zugleich. Der kulinarische Aspekt der Malerei wird hier weder angestrebt noch um jeden Preis vermieden. Er kann aber vom Betrachter, je nach eigener visueller Prägung, vom sachlich-handwerklichen zum sensibel- ästhetische transformiert werden.

Günther Holler-Schuster

































Erwin Bohatsch - DIVERSITY OF REDUCTION
September 24 - October 13 2012

English description of the exhibition coming soon.

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COLOROPHIL  COLOROPHIL 
Gletscherweissbergseetürkisnachtblau -
COLOROPHIL
20. Juli - 11. August 2012

Sich in den heißen Monaten mit kühlen Farben zu umgeben ist nicht nur in Mitteleuropa üblich, um der Hitze entgegenzuwirken. Dabei spielt die Farbpsychologie eine wichtige Rolle. Blau steht für Luft und Wasser, Kühle und Ferne, schafft Raum und Perspektive - was in Europa schon die Maler der Renaissance zu nutzen wussten. Grün ist die Farbe der Mitte, Natur und Ausgeglichenheit und gilt in Wüstengebieten als heilige Farbe. Weiß ist die Summe aller Farben, steht für Licht und Reinheit und hat gemeinsam mit Grün und Blau eine erfrischende Wirkung. Türkis, die Mischung von Grün und Blau, gilt als Sinnbild von Bergseen und Gletschereis und wird als kälteste Farbe wahrgenommen. Nicht nur die europäischen Künstler, auch die Nomaden des Orients wussten die Wirkung von Farben intuitiv einzusetzen, um so während der heißen Sommermonate ihren Zelten "Abkühlung" zu verschaffen ...
Glacierwhitemountainlaketurquoisenightblue -
COLOROPHIL
July 20 - August 11 2012

To surround oneself with cool colours during the hot months is a common practice to counteract the heat, not just in central Europe. Like European artists, Oriental nomads intuitively knew how to utilise colour effects in their textiles to 'cool down' their tents during the summer. Colour psychology plays a central role in this context. Blue, for example, is associated with air and water, the expanse of the summer sky and the unfathomable depths of the sea. It stands for coldness and distance, creates space and perspective - an effect, which was familiar to European Renaissance painters and which animated Post-Impressionist artists to create remarkable shades of light. Green is the colour of the centre and of equilibrium, of nature. In desert regions it is associated with fertility, affluence and life - a holy colour - since green is no matter of course in a sun-scorched landscape. White is the sum of all colours, stands for light and purity, and has a refreshing and soothing function, especially in combination with green and blue. Turquoise, the fusion of these colours, epitomises oceanic and glacial ice, and is psychologically perceived as the coolest colour. In terms of colour and design vocabularies, the hues of life mostly developed according to regional presets and climatic conditions - defining factors, which has shaped artistic practice across all periods and regions.

Colorophil 1
Colorophil 1
Colorophil 2
Colorophil 3
Colorophil 4
PHALLOBST  WINDPHALL 
Anton Petz, Christian KRI Kammerhofer, Josef Sulek, Thomas Stimm - PHALLOBST
25. Juni - 14. Juli 2012

Vom Garten der Hesperiden mit jenen goldenen Äpfeln, die Unsterblichkeit verheißen, gehütet von betörenden Nymphen wurde schon in der Antike geträumt. Im Paradies war es ebenso die Frucht, die mit dem Versprechen allumfassender Erkenntnis lockte und die Kelten wieder glaubten an die mystisch kraftspendenden Früchte der Insel Avalon mit ihren blühenden Gärten. Von Beginn der bewussten Formgebung an waren der menschliche Körper und die haptische Erfahrung desselben Inhalt unzähliger Manifestationen der Kult- und Kunstgeschichte. Parallel dazu wurden die Ergebnisse pflanzlichen Wachstums mit Fruchtbarkeit und Versuchung in Verbindung gebracht. Die Aspekte des Überflusses, der Lust und Leidenschaft, der Opulenz in Farbe und Form vereinen - in individuellen Ausprägungen plastischer Arbeiten - Josef Sulek, Thomas Stimm, Anton Petz und Christian Kri Kammerhofer in einer Ausstellung, die sich mit Teilbereichen der menschlichen Sehnsüchte beschäftigt. Von direkt erotischer Formensprache über subtil ästhetische Anspielungen in Farbgebung und Inhalt bis hin zu beißender Ironie verbinden sich die Arbeiten der vier Künstler zu einem spannenden Konglomerat, welches den Betrachter auf ein sinnliches Erlebnis einlädt.

Gerlinde Schiestl
Anton Petz, Christian KRI Kammerhofer, Josef Sulek, Thomas Stimm - WINDPHALL
June 25 - July 14 2012

The human need for sensuality, passion and opulence is at the centre of Reinisch Contemporary's first exhibition focusing purely on sculpture. Ranging from sardonic to archaic, WINDPHALL (German title: PHALLOBST) presents handpicked works by Josef Sulek, Thomas Stimm, Anton Petz und Christian Kri Kammerhofer. Each of them deals with subjects of lust, temptation and longing in their own distinctive ways. Co-Curators Gerlinde Schiestl and Manuela Schlossinger about WINDPHALL: "From the beginning of conscious moulding techniques, the human body and the haptic experience of it, have been the subject of innumerable manifestations of cultic and cultural history. In parallel, the outcomes of plant growth were linked to fertility and temptation." Through colour, shape and material, the sculptures featured in WINDPHALL radiate signals of seduction, both obvious and covert. Through symbolism, humour and conceptualisation, they tempt the audience to recognise echoes of themselves. After all, the objects on show evolve around enduring questions which humankind has faced ever since the Stone Age and the answering of which has given rise to a constellation of myths and symbols: golden apples of biblical immortality; enchanting nymphs of antiquity; fortifying fruit of the Celtic island of Avalon. Schiestl and Schlossinger add: "Ranging from overtly erotic design vocabularies and subtle aesthetic allusions in colour and content to caustic irony, the works of these four artists combine to form an exciting conglomerate, which invites the observer to a sensual experience."

Gerlinde Schiestl

Phallobst 1
Phallobst 2
Phallobst 3
Phallobst 4
Martin Roth - SECOND NATURE  Martin Roth - SECOND NATURE 
Martin Roth - SECOND NATURE
1. Juni - 23. Juni 2012

Martin Roth - ein Steirer, der in New York lebt - beschäftigt sich in seiner Kunst mit scheinbar realen Dingen. Es sind Elemente aus der Natur, wie Wasser, Pflanzen, Töne, Lebewesen, die er installativ und bildlich umsetzt. Dabei geht der Künstler von einer vermittelten Naturwahrnehmung aus, die uns die Natur in ihrer artifiziellen Art erleben lässt. Nach Wildnis sich sehnend, will der Mensch mit der Natur doch etwas Nützliches erreichen. Aus der Natur soll gewonnen werden, was eine bestimmte menschliche Vorgabe erfüllt. Es geht dabei um Zurichtung der Natur im Dienste bestimmter Zwecke und Funktionen. In diesem Sinne ist bspw. jede Art von Technik, die auf die Natur angewandt wird, eine Technik der Naturbeherrschung. In Martin Roths Umgang mit Elementen und Phänomenen der Natur, wird diese als ein Stück äußerer Welt präsentiert, das die innere Artikuliertheit von Werken der Kunst hat. Der sinnliche Zusammenhang des natürlichen Objekts oder der Szene wird zu einem Sinnzusammenhang neuer Art - zu einem bildsinnliches Zeichen im Stil der Kunst. Martin Roth setzt den Galerieraum unter Wasser und lässt ihn von Fischen bewohnen, während der Galeriealltag weiterläuft, obwohl der Schreibtisch im Wasser steht - ein symbolhaftes Bild. Er lässt Gras auf Teppichen wachsen, als würde sich die Natur aus ihrer Gezähmtheit befreien und versuchen die bemühte Kultiviertheit abzulegen. Was hier durchaus kritisch anmutet und auf den sorglosen Umgang mit unserer Umwelt hinweist, erreicht zugleich auch einen höchst poetischen, manchmal nahezu sehnsüchtigen Charakter.

Günther Holler-Schuster
Martin Roth - SECOND NATURE
June 1 - June 23 2012

New York-based Austrian artist Martin Roth breaks the polarity between culture and nature, tripping up the art business with perishable installations and mischievous romanticism.In SECOND NATURE, Roth's latest work has Reinisch Contemporary flooded, overgrown and inhabited. Roth: "In my work, I consciously cross the boundary that separates art and life. [...] My pieces exist in real time, and this time passes slowly, leisurely, and follows the natural run of things."Installation and performance. Object and subject. Aliveness and inanimateness. In Roth's work, fronts collide, only to blend into each other.In 2011, he released goldfish in the Chinese Garden of the Metropolitan Museum in New York. In 2010, he turned crickets loose in a factory hall and raised ducklings in his studio.

Curator Günther Holler-Schuster about SECOND NATURE:
"What may seem quite critical, alluding to the careless treatment of our environment, also attains a highly poetic, at times almost yearning character. It is elements of nature, like water, plants, sounds, creatures, which Roth transforms into installation and image. By doing that, the artist assumes a mediated perception of nature, which lets us experience nature in its artificial way."

SECOND NATURE is the first exhibition to take over both of Reinisch Contemporary spaces at the same time: a gallery in central Graz, Austria, as well as premises at Kalsdorf Castle, a medieval stronghold in Eastern Styria. This allows the audience to experience Roth's current work in two completely different environments, both steeped in history.

Roth adds:
"My work oscillates between installation, conversation and rumour. Because my pieces are transient, my installations are often points of departure rather than end points. In the best of cases they succeed in creating a small fissure in reality for a little while."
Martin Roth 1
Martin Roth 2
Martin Roth 2
Herbert Brandl - HAPPYSULM-
TALTOTALZERSTÖRUNG 2012  
Herbert Brandl - HAPPYSULM-
TALTOTALZERSTÖRUNG 2012  
Herbert Brandl -
HAPPYSULMTALTOTALZERSTÖRUNG 2012
2. Mai - 19. Mai 2012

Die chinesische Malerei strebte von Beginn an nicht nur danach, einen Repräsentationsrahmen zu schaffen, sondern einen medialen Ort, an dem wahres Leben möglich ist. Kunst und Lebenskunst sind dabei gleichgestellt.

Herbert Brandl konfrontiert das Publikum mit einer ähnlichen Situation. In seinen Bildern, die nicht immer abstrakt sein müssen, werden teilweise erkennbare Strukturen sichtbar, die keiner herkömmlichen Logik entsprechen. Sie appellieren vehement an das innere Bildbewusstsein des Publikums. Gewaltige Farbformationen schieben sich da meist über die Bildfläche und lassen an dramatische Naturereignisse denken, die teilweise ins Traumhafte oder ins Psychedelische reichen. So sehr es in seinen Bildern um Landschaften oder Berge gehen mag, sind es doch Schwebezustände zwischen abstrakt und gegenständlich, die das Rätsel dieser Bilder ausmachen. Der realistisch ausformulierte Steinpilz ist dann plötzlich fremd, wirkt monströs und bedrohlich - unwirklich.

Günther Holler-Schuster
Herbert Brandl -
HAPPYSULMTALTOTALZERSTÖRUNG 2012
May 2 - May 19, 2012

Chinese painting always strived to create not just a representational framework, but also a media locality where true life was possible. In this context, art is equated with the art of life (savoir vivre).

Herbert Brandl confronts the audience with a similar situation. Some of his images, which aren't always necessarily abstract, show partly recognisable structures that do not correspond to any conventional logic. They appeal vehemently to the inner visual consciousness of the audience. Powerful colour formations often push themselves across the image surface and conjure dramatic natural events, at times extending into dreamlike and psychedelic spheres. As much as his paintings might evolve around landscapes and mountains, they are also in a state of uncertainty between abstract and representational, which makes up the enigma of these paintings. The realistically formulated mushroom is suddenly made strange, appears monstrous and threatening - unreal.

Günther Holler-Schuster

Herbert Brandl
Herbert Brandl
Herbert Brandl
DAS BILD AN DER WAND  THE IMAGE ON THE WALL 
DAS BILD AN DER WAND
19. März - 20. April 2012

Es gibt den Blick auf die Kunst, der profane Bilder außerhalb des eigenen Systems ignoriert. Die Vielzahl der Bilder, sowie die unzähligen Orte an denen sie gegenwärtig vorkommen (von den Massenmedien bis zum Kunstgewerbe), rufen heute einen neuen Bilderstreit hervor. Die Definitionsfrage erscheint jetzt komplexer und drängender als zuvor. Dass ein Teppich neben seiner Funktionalität auch Informationsträger bzw. Bild ist, muss man als Faktum anerkennen. Die abstrakten Formen eines Teppichs, der noch dazu an der Wand hängt, können im Sinne eines globalisierten Kunst- und Kulturtransfers auch unter dem Aspekt der abstrakten bzw. monochromen Malerei wahrgenommen werden. Es liegt somit, heute mehr denn je, im visuellen Bewusstsein des Publikums in welchem Kontext Visualität erlebt wird.

Günther Holler-Schuster

Noch vor siebzig bis hundert Jahren haben die architektur- und schriftlosen Nomaden umwerfende Kunstobjekte geknüpft, deren Muster und Motive, aber auch Proportionen und Farbe, eingebettet in Klima, Zeitepoche, Kultur und Religion, zum Teil lesbare Piktogramme entstehen ließen. Als Kultobjekte oder Gebrauchsgegenstände des täglichen Lebens waren diese Teppiche niemals dekorationsorientiert, oder gar dem Diktat des Marktes unterworfen. Einige dieser Arbeiten wecken die Erinnerung an Werke der Klassischen Moderne oder der zeitgenössischen Kunst und es stellt sich die spannende Frage, wieweit diese anonymen Kunstwerke berühmten Ölgemälden nachstehen.

Helmut Reinisch



THE IMAGE ON THE WALL
March 19 - April 20 2012

There is a vision of art that ignores profane images outside of its own system. Today, innumerable images, as well as the numerous places they occur in (from mass media to applied arts), trigger a new war of images. The question of definition appears more complex and urgent than ever. That a carpet, quite apart from its functionality, can also be a carrier of information, or an image, must be acknowledged as a fact. The abstract forms of a carpet - particularly one hanging on a wall - can be seen from the perspective of abstract or monochrome painting within the meaning of a globalised transfer of arts and culture. Today, more than at any previous time, the context in which visuality is experienced is up to the visual consciousness of the audience.

Günther Holler-Schuster

Up until seventy to a hundred years ago, Nomads - a culture without architecture and the written word - created arresting objects of art. Patterns and motives, but also proportions and colours, were embedded in climate, era, culture and religion, often representing a legible pictogram. These carpets were never geared towards the market or decoration; they were articles of daily use or ritual objects. Some remind us of works of classic modernity and contemporary art, raising the question to what extend these anonymous works of art rank behind famous oil paintings.

Helmut Reinisch
Das Bild an der Wand 1
Das Bild an der Wand 1
Das Bild an der Wand 1
Stefan Osterider - FLATLAND  Stefan Osterider - FLATLAND 
Stefan Osterider - FLATLAND
27. Februar - 22. März 2012

Angesichts der Entwicklung innerhalb der technischen Medien kam die Malerei unter Druck. Entsprechend hat der Malereibegriff sich laufend erweitert und neue Bezugssysteme aufgebaut. Die Malerei musste diese entstandene Flut an Bildern absorbieren, um sie am Ende wieder sichtbar bzw. spürbar zu machen. Stefan Osterider lässt in seiner Malerei Relationen zum elektronischen Bild zu. Bei ihm ist Malerei farbige Markierung auf der Oberfläche der Leinwand. In weiten Flächen, die man auch als Räume lesen kann, verteilen sich abstrakte Elemente. Man ist versucht, sich an Edwin Abott Abotts “Flatland” von 1884 zu erinnern, wie auch an die Ästhetik früher Computerspiele. Osterider erreicht dabei eine verblüffende Balance zwischen Erinnerung an eine sichtbare Wirklichkeit und der Bildrealität.

Günther Holler-Schuster

Stefan Osterider - FLATLAND
February 27 - March 22 2012

The development of technical media has exerted considerable pressure on the genre of painting. Consequentially, the definition of painting has continuously expanded and established new systems of reference. Painting had to absorb the emerging flood of images in order to render them visible and tangible again. Stefan Osterider allows responses to electronic imagery in his paintings. For him, painting is the colour-marking of canvas surfaces. Abstract elements sprawl out across expansive areas, which can also be read as spaces. One is tempted to recall Edwin Abott Abott's Flatland, 1884, as well as the aesthetics of early computer games. In this manner, Osterider attains an astonishing balance between the memory of a visible reality and of a pictoral reality.

Günther Holler-Schuster

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Das Bild an der Wand 1
Das Bild an der Wand 1
Das Bild an der Wand 1
Hubert Schmalix - WINTERREISE  Hubert Schmalix - WINTER JOURNEY 
Hubert Schmalix - WINTERREISE
6. - 22. Februar 2012

Die neuen Gemälde des ständig reisenden Schmalix sind, wie auch schon in der Vergangenheit, von scheinbaren Gegensätzen bestimmt. Hell - von der Sonne gebleicht oder leicht vom Schnee bedeckt - präsentieren sich die geometrisch angelegten engen Häuserzeilen. Die Leere ist nie bedrückend bei Schmalix. Die Räume, die sich bilden, sind Malereiräume. Die Realität ist auf Distanz gehalten. Das Bildhafte, eine neue Wirklichkeit kreierend, ist hingegen nahe. Vegetatives gerinnt zum Ornament. Dichte wird statt Farbigkeit gesetzt. So nahe es liegen mag, aber das Erzählerische ist Schmalix kein Anliegen. Das Malerische, das Bildhafte, sie sind es, die Verbundenheit oder Vertrautheit und gleichzeitig Distanz erzeugen.

Günther Holler-Schuster

Hubert Schmalix - WINTER JOURNEY
February 6 to 22, 2012

The new paintings by ever-travelling Hubert Schmalix are, as in the past, determined by ostensible contradictions. Tight rows of geometrically aligned houses present themselves in bright colours - bleached from the sun or lightly covered in snow. With Schmalix, emptiness is never oppressive. The formed spaces are painterly dreams. Reality is kept at bay. The pictorial, on the other hand, is closer, creating a new substantiveness. The vegetative becomes ornamental. Density replaces colourfulness. It may seem obvious, but Schmalix is not concerned with narratives. It is the painterly, the pictorial, that engenders connectedness - or familiarity - and, at the same time, distance.

Günther Holler-Schuster

Pressebericht: Kleine Zeitung, 5. Februar 2012 Press clipping: Kleine Zeitung, 5 Feb 2012 (German)
Press clipping: Kleine Zeitung, 5 Feb 2012 (English Translation, PDF)

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Das Bild an der Wand 1
Das Bild an der Wand 1
Das Bild an der Wand 1
Veranstaltungen 1982 - 2012  Exhibitions 1982 - 2012 
2012 DAS BILD AN DER WAND
2012 FLATLAND
Stefan Osterider
2012 WINTERREISE
Hubert Schmalix
2011 ROT
Franz West, Herbert Brandl, Erwin Wurm, Hubert Schmalix, G.R.A.M., Erwin Bohatsch, Christian KRI Kammerhofer, Josef Sulek, Anton Petz, Jakob Gasteiger, Michael Kienzer, Rudi Molacek, Hermann Nitsch, Werner Reiterer, Thomas Stimm
2010 SUNDAY EVENING
Hubert Schmalix
2010 WEBCAM
Max Boehme, Josef Beuys, Günter Brus, Clegg & Gutmann, Manfred Erjautz, Seiichi Furuya, Christian Gasser, Andreas Heller, Meinrad Hofer, Christian Jungwirth, Christian KRI Kammerhofer, Inez van Lamsweerde, Claudia Lindner, Dirk Meinzer, Rudi Molacek, Inge Morath, Karl Neubacher, Arnulf Rainer, Thomas Ruff, Claus Schöner, Maria Serebriakova, Franz West, Amelie Wulffen, Erwin Wurm
2008 BITTE NICHT FÜTTERN
Josef Sulek
2007 MALEREI
Erwin Bohatsch, Herbert Brandl, Michael Kienzer, Hubert Schmalix
2012 THE IMAGE ON THE WALL
2012 FLATLAND
Stefan Osterider
2012 WINTER JOURNEY
Hubert Schmalix
2011 RED
Franz West, Herbert Brandl, Erwin Wurm, Hubert Schmalix, G.R.A.M., Erwin Bohatsch, Christian KRI Kammerhofer, Josef Sulek, Anton Petz, Jakob Gasteiger, Michael Kienzer, Rudi Molacek, Hermann Nitsch, Werner Reiterer, Thomas Stimm
2010 SUNDAY EVENING
Hubert Schmalix
2010 WEBCAM
Max Boehme, Josef Beuys, Günter Brus, Clegg & Gutmann, Manfred Erjautz, Seiichi Furuya, Christian Gasser, Andreas Heller, Meinrad Hofer, Christian Jungwirth, Christian KRI Kammerhofer, Inez van Lamsweerde, Claudia Lindner, Dirk Meinzer, Rudi Molacek, Inge Morath, Karl Neubacher, Arnulf Rainer, Thomas Ruff, Claus Schöner, Maria Serebriakova, Franz West, Amelie Wulffen, Erwin Wurm
2008 PLEASE DO NOT FEED
Josef Sulek
2007 PAINTING
Erwin Bohatsch, Herbert Brandl, Michael Kienzer, Hubert Schmalix
2007 SKULPTUREN
Manfred Erjautz, Michael Kienzer, Hartmut Skerbisch, Thomas Stimm, Uta Weber, Erwin Wurm
2006 SPHÄRE
Hartmut Skerbisch
2005 NATUR & TEPPICHE SKULPTUREN UND TEPPICHE
Thomas Stimm
2004 BITTE NICHT FÜTTERN
Josef Sulek
2003 Herbert Brandl
2002 NEUE ARBEITEN
Hubert Schmalix
2002 TRYPTICHA
Max Boehme, Martin Kitzler, Anton Petz, Hubert Schmalix, Thomas Stimm, Otto Zitko
2002 DIE FARBEN WEISS
Erwin Bohatsch, Herbert Brandl, Tobias Pils, Hartmut Skerbisch, Franz West
1993 BILDER - TEPPICHBILDER DAS BESTE
Thomas Ruff
1993 FORM + FARBE
Josef Sulek
1989 SCHWARZE BILDER UND TEPPICH-MINIATUREN
Herbert Brandl
1987 DAS GEHEIMNIS DES ANATOLISCHEN TÜLÜ
Erwin Wurm und Skulpturen,
1982 GEBETSTEPPICHE UND MEDITATIONSSTEINE
Karl Prantl (Steirischer Herbst)
2007 SCULPTURES
Manfred Erjautz, Michael Kienzer, Hartmut Skerbisch, Thomas Stimm, Uta Weber, Erwin Wurm
2006 SPHERE
Hartmut Skerbisch
2005 NATURE & CARPETS, SCULPTURES & CARPETS
Thomas Stimm
2004 PLEASE DO NOT FEED
Josef Sulek
2003 Herbert Brandl
2002 NEW WORKS
Hubert Schmalix
2002 TRYPTICHA
Max Boehme, Martin Kitzler, Anton Petz, Hubert Schmalix, Thomas Stimm, Otto Zitko
2002 THE COLOURS WHITE
Erwin Bohatsch, Herbert Brandl, Tobias Pils, Hartmut Skerbisch, Franz West
1993 IMAGES - CARPET IMAGES
Thomas Ruff
1993 FORM + COLOUR
Josef Sulek
1989 BLACK CARPETS AND CARPET-MINIATURES
Herbert Brandl
1987 THE SECRET OF THE ANATOLIAN TÜLÜ
Erwin Wurm and Sculptures
1982 PRAYER RUGS UND MEDITATION STONES
Karl Prantl (Steirischer Herbst)
Veranstaltungen 2012 - 2014  Exhibitions 2012 - 2014 
2014 DAZZLING ARRAY
Eva Schlegel, Martin Kippenberger, Franz West, Herbert Brandl, Irina und Marina Fabrizius, Dirk Meinzer, Erwin Wurm, Edelgard Gerngross, Clemens Hollerer, Martin Roth, Christian Gasser, Othmar Krenn
2014 SICHTBARE GEMÄLDE - TAKTILE SKULPTUR
Kelims aus Marokko
2013 MÄCHTE UND MASSEN
Anton Petz
2014 DAZZLING ARRAY
Eva Schlegel, Martin Kippenberger, Franz West, Herbert Brandl, Irina und Marina Fabrizius, Dirk Meinzer, Erwin Wurm, Edelgard Gerngross, Clemens Hollerer, Martin Roth, Christian Gasser, Othmar Krenn
2014 VISIBLE PAINTINGS - TACTILE SCULPTURE
Kelims from Marokko
2013 MIGHT AND MASSES
Anton Petz
2013 FRANZ YANG-MOČNIK UND BENI OURAIN
Zeichnungen, Gemälde, Teppiche
2013 WUNDERWELTPLAN
Alfred Klinkan
2013 FRIENDS AND LOVERS IN UNDERGROUND
2013 ALB
Alois Mosbacher
2013 FABRIZIUS2
2013 REFLEXIONEN
Hans Kupelwieser
2012 FARBREGEN IM BAMBUSWALD
Hubert Schmalix
2012 CONTEMPORARY STILL LIFE
Erwin Bohatsch, Herbert Brandl, Seiichi Furuya, Robert van der Hilst, Christian KRI Kammerhofer, Rudi Molacek, Fritz Panzer, Anton Petz, Gerwald Rockenschaub, Hubert Schmalix, Maria Serebriakova, Margriet Smulders, Tjalf Sparnaay
2012 DIE VIELFALT DES ALLERNOTWENDIGSTEN
Erwin Bohatsch
2012 COLOROPHIL
Gletscherweissbergsee türkisnachtblau
2012 PHALLOBST
Anton Petz, Christian KRI Kammerhofer, Josef Sulek, Thomas Stimm
2012 SECOND NATURE
Martin Roth
2012 HAPPYSULMTALTOTAL ZERSTÖRUNG 2012
Herbert Brandl
2013 FRANZ YANG-MOČNIK AND BENI OURAIN
Drawings. Paintings. Carpets.
2013 WUNDERWELTPLAN
Alfred Klinkan
2013 FRIENDS AND LOVERS IN UNDERGROUND
2013 ALB
Alois Mosbacher
2013 FABRIZIUS2
2013 REFLECTIONS
Hans Kupelwieser
2012 COLOUR RAIN AT THE BAMBOO GROVE
Hubert Schmalix
2012 CONTEMPORARY STILL LIFE
Erwin Bohatsch, Herbert Brandl, Seiichi Furuya, Robert van der Hilst, Christian KRI Kammerhofer, Rudi Molacek, Fritz Panzer, Anton Petz, Gerwald Rockenschaub, Hubert Schmalix, Maria Serebriakova, Margriet Smulders, Tjalf Sparnaay
2012 DIVERSITY OF REDUCTION
Erwin Bohatsch
2012 COLOROPHIL
Glacierwhitemountainlake- turquoisenightblue
2012 WINDPHALL
Anton Petz, Christian KRI Kammerhofer, Josef Sulek, Thomas Stimm
2012 SECOND NATURE
Martin Roth
2012 HAPPYSULMTALTOTAL- ZERSTÖRUNG 2012
Herbert Brandl
Anton Petz - M&aumlchte und Massen
Anton Petz - Mächte und Massen Anton Petz - Mächte und Massen
2012 Winterreise
Hubert Schmalix
2011 ROT
Franz West, Herbert Brandl, Erwin Wurm, Hubert Schmalix, G.R.A.M., Erwin Bohatsch, Christian KRI Kammerhofer, Josef Sulek, Anton Petz, Jakob Gasteiger, Michael Kienzer, Rudi Molacek, Hermann Nitsch, Werner Reiterer, Thomas Stimm
2010 Sunday Evening
Hubert Schmalix
2010 WEBCAM
Max Boehme, Josef Beuys, Günter Brus, Clegg & Gutmann, Manfred Erjautz, Seiichi Furuya, Christian Gasser, Andreas Heller, Meinrad Hofer, Christian Jungwirth, Christian KRI Kammerhofer, Inez van Lamsweerde, Claudia Lindner, Dirk Meinzer, Rudi Molacek, Inge Morath, Karl Neubacher, Arnulf Rainer, Thomas Ruff, Claus Schöner, Maria Serebriakova, Franz West, Amelie Wulffen, Erwin Wurm
2007 Malerei
Erwin Bohatsch, Herbert Brandl, Michael Kienzer, Hubert Schmalix
2007 Skulpturen
Manfred Erjautz, Michael Kienzer, Hartmut Skerbisch, Thomas Stimm, Uta Weber, Erwin Wurm
2012 Winter Journey
Hubert Schmalix
2011 RED
Franz West, Herbert Brandl, Erwin Wurm, Hubert Schmalix, G.R.A.M., Erwin Bohatsch, Christian KRI Kammerhofer, Josef Sulek, Anton Petz, Jakob Gasteiger, Michael Kienzer, Rudi Molacek, Hermann Nitsch, Werner Reiterer, Thomas Stimm
2010 Sunday Evening
Hubert Schmalix
2010 WEBCAM
Max Boehme, Josef Beuys, Günter Brus, Clegg & Gutmann, Manfred Erjautz, Seiichi Furuya, Christian Gasser, Andreas Heller, Meinrad Hofer, Christian Jungwirth, Christian KRI Kammerhofer, Inez van Lamsweerde, Claudia Lindner, Dirk Meinzer, Rudi Molacek, Inge Morath, Karl Neubacher, Arnulf Rainer, Thomas Ruff, Claus Schöner, Maria Serebriakova, Franz West, Amelie Wulffen, Erwin Wurm
2007 Painting
Erwin Bohatsch, Herbert Brandl, Michael Kienzer, Hubert Schmalix
2007 Sculptures
Manfred Erjautz, Michael Kienzer, Hartmut Skerbisch, Thomas Stimm, Uta Weber, Erwin Wurm
2006 Sphäre
Hartmut Skerbisch
2005 Natur & Teppiche Skulpturen und Teppiche
Thomas Stimm
2004 Bitte nicht füttern
Josef Sulek
2003 Herbert Brandl
2002 Neue Arbeiten
Hubert Schmalix
2002 Trypticha
Max Boehme, Martin Kitzler, Anton Petz, Hubert Schmalix, Thomas Stimm, Otto Zitko
2002 Die Farben Weiß
Erwin Bohatsch, Herbert Brandl, Tobias Pils, Hartmut Skerbisch, Franz West
1993 Bilder - Teppichbilder Das Beste
Thomas Ruff
1993 Form + Farbe
Josef Sulek
1989 Schwarze Bilder und Teppich-Miniaturen
Herbert Brandl
1987 Erwin Wurm Skulpturen, Das Geheimnis des anatolischen Tülü
1982 Gebetsteppiche und Meditationssteine
Karl Prantl (Steirischer Herbst)
2006 Sphere
Hartmut Skerbisch
2005 Nature & Carpets, Sculptures & Carpets
Thomas Stimm
2004 Please do not feed
Josef Sulek
2003 Herbert Brandl
2002 New Works
Hubert Schmalix
2002 Trypticha
Max Boehme, Martin Kitzler, Anton Petz, Hubert Schmalix, Thomas Stimm, Otto Zitko
2002 The Colours White
Erwin Bohatsch, Herbert Brandl, Tobias Pils, Hartmut Skerbisch, Franz West
1993 Images - Carpet Images
Thomas Ruff
1993 Form + Colour
Josef Sulek
1989 Black Carpets and Carpet-Miniatures
Herbert Brandl
1987 Erwin Wurm Sculptures, The Secret of the Anatolian Tülü
1982 Prayer Rugs und Meditation Stones
Karl Prantl (Steirischer Herbst)
Das Bild an der Wand 2
Das Bild an der Wand 2
Das Bild an der Wand, 19. März - 20. April 2012, Hauptplatz 6, Graz The Image on the Wall, March 19 - April 20 2012, Hauptplatz 6, Graz
Das Bild an der Wand 2
Das Bild an der Wand 2
Das Bild an der Wand, 19. März - 20. April 2012, Hauptplatz 6, Graz The Image on the Wall, March 19 - April 20 2012, Hauptplatz 6, Graz
Das Bild an der Wand 2 Das Bild an der Wand 2
Das Bild an der Wand, 19. März - 20. April 2012, Hauptplatz 6, Graz The Image on the Wall, March 19 - April 20 2012, Hauptplatz 6, Graz
SICHTBARE GEMÄLDE
TAKTILE SKULPTUR
VISIBLE PAINTINGS
TACTILE SCULPTURE
SICHTBARE GEMÄLDE
TAKTILE SKULPTUR - Kelims aus Marokko
27. Februar - 22. März

In einer von Globalisierung und dem Auflösen von Ferne und Nähe geprägten Weltentwicklung ist es naheliegend, sich diesbezüglich auch künstlerische und kulturelle Dynamiken anzusehen. Das geschieht massiv im Bereich der Gegenwartskunst - man denke nur an die Großveranstaltungen im Rahmen der bildenden Kunst in letzter Zeit.
Plötzlich treten kulturelle Traditionen - die üblicherweise als hermetisch gelten und bisher nur für einige Spezialisten von Interesse waren - ins Zentrum der Aufmerksamkeit. Eine Sparte, die sich gerade in diesem Kontext aktuell einer gewissen Konjunktur erfreut, ist die Textilkunst.
Vielerorts - von München bis Paris - fanden und finden Ausstellungen statt, die das künstlerische Arbeiten mit Textilien zeigen. Dabei spielen auch Teppiche und verschiedene gewebte Erzeugnisse eine bedeutende Rolle. Die Bild- und Formenvielfalt der geknüpften und gewebten Stücke wird nicht selten mit den Bildern der okzidentalen Kultur in Verbindung gebracht. Parallelen - bewusst oder unbewusst entstanden - sind vorhanden und äußern sich auf unterschiedlichste Weise.
Wenn die Galerie Reinisch Contemporary sich in dieser Ausstellung Marokkanischen Kelims widmet, ist das ein sehr bestimmter Bereich der künstlerischen Auseinandersetzung. Mit dem Kelim verbindet man meist die flachgewebten Produkte aus zentralasiatischer Tradition bzw. aus Persien, Anatolien bis hin nach Bosnien. Kelims waren in der Hierarchie immer unter den Knüpfteppichen angesiedelt - als solche lange Zeit gleichsam Nebenprodukte. Als Einrichtungsgegenstände prägten sie vielfach das private Ambiente gehobener Bürgerlichkeit - auch in Österreich. Man darf nicht vergessen, dass Österreich bis zum Beginn des 20. Jahrhunderts gleichsam Nachbar des Orients war.
Der Kelim ist durch seine Materialität und seine technischen Voraussetzungen limitierter als der geknüpfte Teppich, bei dem mannigfaltigere formale Lösungen möglich sind. Innerhalb dieser Limitierung allerdings, erreichen die Formen der Kelimkunst in den klassischen Herkunftsländern eine verblüffend hohe Komplexität. Die Abstraktion geht dabei mit der geometrischen Verdichtung von ursprünglich konkreten Elementen (Tiere, Pflanzen, oder Fabelwesen) einher. Die Teppichkultur Marokkos unterscheidet sich vom Rest - sicherlich auch durch seine geografische Randlage - wesentlich. Viel freier - und weiter weg von den klassischen Formen der Vorläufer Asiens - haben sich in dieser Region Eigenstän- digkeiten entwickelt, die gerade im Zusammenhang mit der Moderne, aber auch später, begeistert bemerkt wurden.
Näher dem narrativen Bild und dem Gegenstand - meist ist es die Landschaft - muss der marokkanische Kelim gesehen werden. Sowohl in der Farbe als auch in den Formen lassen sich die sanften Dünen und die je nach Jahreszeit sich präsentierenden Felder, Wiesen und Wüsten sehr gut erkennen. Neben diesen erzählerischen Kelims mit hoher Bildwirkung gibt es auch die Tradition der geometrischen Abstraktion. Nicht unähnlich der bildenden Kunst, hat sich auch in diesem Zusammenhang eine Dualität zwischen gegenständlicher Lesbarkeit bzw. Illusion und abstrakter Zweidimensionalität entwickelt. Diese Stücke zeugen von komplexer Verdichtung im streng Ornamentalen. In Kulturen, in denen sich das Tafelbild niemals etabliert hat, taucht die Frage auf, wodurch dies kompensiert wird. Teppiche, Kelims und diverse andere textile Erzeugnisse sind auf diese Weise auch Formen der Malerei, des Bildbewusstseins. Es sind Bilder, die einer Logik folgen, die wir aus sehr avancierten Forderungen der Avantgarde kennen - bspw. Multifunktionalität.
Das künstlerische Grundkonzept des Teppichs (auch des Kelims) inkludiert selbstverständlich den Zweck und die Funktion. Die ästhetische Autonomie, die im abendländischen Kunstwerk der Moderne bis zur Gegenwart gefordert wird, ist hier nicht zutreffend. Man hat es hier mit Bildern sowohl zum Schauen, als auch zum Berühren zu tun - sichtbares Gemälde und taktile Skulptur.

Günther Holler-Schuster
VISIBLE PAINTINGS
TACTILE SCULPTURE - Kilims from Morocco
February 27 - March 22 2014

Current global dynamics are marked by the dissolution of distance and proximity, and it makes sense to also examine relevant art and cultural movements in this light. This is a massive trend in the realm of contemporary art - just think of the large-scale fine-arts events of recent times. Suddenly, cultural traditions - which are commonly seen as hermetic and only of interest to specialists - become the centre of attention. One such category, which is presently enjoying a certain boom in this context, is textile art. Numerous exhibitions - from Munich to Paris - have been showing artists' work with textiles. Carpets and various other woven products play a significant role in this field. The diversity of imagery and forms of knotted and woven pieces is not rarely associated with the imagery of occidental culture. Parallels - whether occurring by accident or on purpose - are present and expressed in any number of ways.
With this exhibition, the art gallery Reinisch Contemporary dedicates itself to Moroccan Kilims, a very specific section of the discourse of art. Kilims are often linked to flat-woven products of the Central Asian tradition, such as from Persia and Anatolia, or all the way to Bosnia. Hierarchically, Kilims always ranked below knotted carpets - for a long time they were practically considered byproducts. As interior design objects they are often associated with the private ambiance of the upper middle classes - also in Austria. Let us not forget that, up until the beginning of the 20th century, Austria was virtually a neighbour of the Orient.
The Kilim is more limited in its material and technical conditions than the knotted carpet, which allows for manifold formal solutions. Within its limits, however, Kilim art in the classic countries of origin attains a startlingly high degree of complexity. Here, abstraction is accompanied by a certain geometric compression of originally concrete elements (animals, plants or mythical creatures).
Morocco's carpet culture differs significantly from that of the rest - undoubtedly partly because of its location on the geographical periphery. Certain regional autonomies were able to develop much more freely here - further removed from the classical forms of the near East - and were received enthusiastically, especially in correlation with modern art, but also later.
The Moroccan carpet ought to be seen as closely related to narrative imagery and objects - often landscapes. In both colour and form, one can easily discern gentle dunes and the seasonal qualities of fields, meadows and deserts. Apart from these narrative Kilims, with their high visual impact, there is also the tradition of geometric abstraction. Not unlike in fine arts, this was also borne out in a duality between objective legibility or illusion, and abstract two-dimensionality. Such pieces are evidence of a complex compression of the strictly ornamental.
In cultures where the panel painting never gained traction, the question arises as to how this is compensated. In that sense, carpets, Kilims and various other textile products are also forms of painting, of a consciousness of imagery. These images follow a logic we know from very advanced forms of avant-garde art, such as multi-functionality. The basic artistic concept of carpets (and also of Kilims) includes, of course, their purpose and their function. Aesthetic autonomy, which is a prerequisite for occidental artworks of the modern and contemporary periods, is not applicable here. Here, one is dealing with images that exist not just to look at, but also to touch - visible painting and tactile sculpture.

Günther Holler-Schuster

Das Bild an der Wand 4
FRANZ YANG-MOČNIK UND
BENI OURAIN
FRANZ YANG-MOČNIK AND
BENI OURAIN
FRANZ YANG-MOČNIK UND BENI OURAIN
Zeichnungen, Gemälde, Teppiche
2. Oktober - 12. November 2013

Dass sich das Kreative nicht nur auf klassische Kategorien wie Zeichnung oder Malerei festlegen lässt, ist weitgehend bekannt. Die Avantgarden des 20. Jahrhunderts haben die Möglichkeiten sowohl im technischen als auch im inhaltlichen Bereich grundsätzlich erweitert. Ob eine Zeichnung auf einer Felswand oder auf einem Holzstück, mit Kreide oder mit Kugelschreiber entstanden ist, ist demnach sekundär. Die kulturellen Unterschiede, die heute in einer weitgehend globalisierten Gesellschaft wirksam werden, schaffen weitere überraschende Formen beispielsweise des Zeichnerischen oder des Malerischen. Gesellschaften, die das Tafelbild traditionell nicht kennen, wie die afrikanische, kompensieren die für uns so zentralen und bedeutsamen Kategorien der Bildwerdung in anderen technischen Sparten - u. a. der Textilkunst, Körperbemalung oder der Bemalung von Häusern.
Wenn die Galerie Reinisch Contemporary diesmal den in Graz lebenden Maler, Zeichner und Plastiker Franz Yang-MoČnik gemeinsam mit marokkanischen Berberteppichen ausstellt, so mag das nur auf den ersten Blick wie eine Verkaufsstrategie anmuten. Die auf weiß grundierter Leinwand mit Kohle aufgebrachten Zeichnungen Yang-MoČniks sind expressiv und zeugen von einem grundsätzlichen Existenzialismus, der den Menschen in seinem Sein durchaus ringend und leidend zeigt. Die meist weißen, mit schwarzbraunen Linien und Flächen gestalteten Teppiche (hauptsächlich Beni Ourain, Azilal, Bouschad oder Ourika), folgen einer Tradition, die uns abstrakt erscheint. Die Striche, Flecken, Zeichen und stilisierten Formen sind jedoch nur in der abendländisch-westlichen Wahrnehmung abstrakt. In der Kultur ihrer Herkunft Marokkos sind sie narrativ. Sie sind Symbole einer umfassenden Weltbeschreibung und eines sowohl konkreten und realen Lebenszusammenhanges als auch einer spirituellen Realität.
In Yang-MoČniks Bildern, die eigentlich bezüglich ihrer Materialität und ihrer Machart sowohl dem Medium Zeichnung als auch der Malerei zugeordnet werden können, wird durch den gestischen Farbauftrag ein hoher Grad an Abstraktion erreicht. Während Yang-MoČniks Bilder vom höchst subjektiv empfundenen eigenen Mikrokosmos ausgehen, sind die Teppiche der Berber zunächst der Natur, den Mythen und spirituellen Zusammenhängen eines Makrokosmos verpflichtet. Aber auch diese eher allgemein anmutende Ebene wird von den Künstlerinnen - es sind nahezu ausschließlich Frauen, die diese Teppiche produzieren - subjektiv erlebt. Ihre eigene Sprachlosigkeit innerhalb der gesellschaftlichen Ordnung lässt sie sich in den Zeichen und Symbolen der gewebten Realität ausdrücken.
Man kann im Vergleich zwischen den Tafelbildern und den Textilarbeiten höchst verblüffende Parallelen erkennen, so unterschiedlich sie auf den ersten Blick erscheinen mögen. Franz Yang- MoČnik hat nicht bewusst auf diese Teppiche reagiert, vielmehr ist es ein momentaner Blickwinkel, der sich in dieser Kombination eröffnet und der letztlich auch den hegemonialen Kunstanspruch westlicher Prägung aufweicht, der in hier Kunst und dort Kunsthandwerk zu unterscheiden bereit ist, ohne kulturelle Unterschiede zu bedenken und in die Bewertung mit einzubeziehen.

Günther Holler-Schuster
FRANZ MOČNIK AND BENI OURAIN - Drawings. Paintings. Carpets.
October 2 - November 12 2013

It is widely known that creativity cannot be tied to classical categories such as drawing or painting alone. The avant-gardes of the 20th century fundamentally expanded the scope of art, both in terms of technique and content. Whether a drawing is done on a rock face or on a piece of wood, in chalk or ballpoint pen, is, consequentially, secondary. The cultural differences, which affect a largely globalised society, create further surprising forms of, for example, drawing and painting. Societies that traditionally do not practice panel or easel painting, such as in many parts of Africa, compensate this central and significant category of image creation through other technical genres - textile arts, body art or wall paintings, among others.
When the art gallery Reinisch Contemporary shows works by the Graz-based painter, graphic artist and sculptor Franz Yang-Močnik alongside Moroccan Berber carpets, this may, at first glance, appear like a sales strategy. Yang-Močnik's charcoal paintings on whitened canvas are expressive and testify to a basic existentialism, which depicts humans as struggling, suffering beings.
The carpets are predominantly white, with black-brown lines and plots - most are Beni Ourain or Azilal - and follow a tradition that may strike us as abstract. The bars, panels, symbols and stylised forms, however, appear abstract only to a Western perception. In the culture of their country of origin, Morocco, they are narrative. They are symbols of a comprehensive worldview and of a practical, real-life context as well as of a spiritual reality.
Yang-Močnik's paintings - which can actually, in their materiality and make, be attributed to the genres of both drawing and painting - attain a high degree of abstraction through the gestural application of colour. While Yang-Močnik's paintings emerge out of a highly subjective perception of his own microcosm, the carpets of the Berber people are beholden, first and foremost, to nature, myths and the spiritual contexts of a macrocosm. But even this relatively generalised dimension is perceived subjectively by the artists, traditionally almost all women. Their own speechlessness within the social hierarchy leads them to express themselves in the signs and symbols of a woven reality.
A comparison between these panel paintings and textile works illuminates highly perplexing parallels, no matter how different they might seem at first glance. Yang-Močnik did not consciously respond to these carpets; rather, the combination opens up a momentary viewpoint and ultimately macerates certain hegemonic cultural pretences of the Western persuasion, which are prepared to see one thing as art and another as handicraft, without considering cultural differences and factoring them into the assessment.

Günther Holler-Schuster

Das Bild an der Wand 4
Hans Kupelwieser - REFLEXIONEN Hans Kupelwieser - REFLECTIONEN
Hans Kupelwieser - REFLEXIONEN
25. Februar - 23. März 2013

Spiegel und Teppiche haben neben ihrer Funktion als prunkvolle Ausstattung von Räumen, zahlreiche weitere Bedeutungen. Sie stehen selbst in engem Bezug zum Raum. Der Teppich ist letztlich eine Imagination von Raum - Gebetsraum, Lebensraum, Innenraum, Außenraum. Er stellt eine frühe Form der virtuellen Realität dar. Ebenso der Spiegel, als eines der frühesten Bilder, wie der Schatten nicht von Menschenhand gemacht, sondern bereits in der Natur vorhanden, gibt er seine Umgebung wieder und erzeugt so eine Art virtuelle Realität.
Hans Kupelwieser, dessen Werk grundsätzlich zwischen der realen Welt des Materials, der Skulptur und der illusionistischen Welt der Fotografie, des Bildes angesiedelt ist, versucht in dieser Ausstellung die antiken Teppiche und den Spiegel in der Fotografie zu verbinden. Die spiegelnden Skulpturen verzerren durch ihre unregelmäßigen Oberflächen die Umgebung und erzeugen dadurch neue verzerrte bzw. segmentierte Raumstrukturen. Man kann sagen, dass hier auf analoge Weise virtuelle Ebenen im realen Raum entstehen. Plötzlich hat man es neben der kunsthandwerklichen, der skulpturalen und der fotografischen Ebene, eminent mit Architekturfragen zu tun. Zugleich verdichten sich in Kupelwiesers Installation hier scheinbare Gegensätze wie Bild, Objekt, Kunsthandwerk und Architektur zu einer Einheit, die sich wiederum sowohl als Bild, als Skulptur aber auch als architektonisches Problem lesen ließe.
Die Installation von Hans Kupelwieser besteht aus zwei Skulpturen mit spiegelnden unregelmäßig zerknitterten Oberflächen, aus hochwertigen antiken Teppichen und aus Fotografien. Der Künstler interveniert hier, wie an anderen Orten zuvor schon, direkt in seine Umgebung und lässt diese gleichsam Teil seines künstlerischen Kalküls werden. Die Rezeption ist unterschiedlich vorstellbar. Es kommt auf den Standpunkt an - ist es Fotografie, Bildhauerei, Architektur, Installationskunst und ist das nicht auch mit der Vorstellung und der Funktion des Teppichs vereinbar. Ein höchst komplexes Gedankenspiel wird hier mit scheinbar einfachen Mitteln erzeugt - ein Labor der Wahrnehmung.

Günther Holler-Schuster
Hans Kupelwieser - REFLECTIONS
February 25 - March 23 2013

Mirrors and carpets have numerous significations apart from their function as magnificent room interiors. They themselves are in close relation to the room. The carpet is, in the end, an imagination of space - space for prayer and life; space within and without. It represents an early form of virtual reality. As does the mirror, one of the earliest images, which, like the shadow, was not manmade but already present in nature. It depicts its surroundings and in doing so creates a kind of virtual reality.

Hans Kupelwieser's work, as a matter of principle, resides between the real world of the material and the sculpture, and the illusionistic world of photography and the image. In this exhibition, Kupelwieser attempts to fuse antique carpets and mirrors in photography. The specular sculptures, with their uneven surfaces, distort the surroundings and create new, warped, or rather segmented, spatial structures. One could describe this as an analogue process giving rise to virtual spheres in real space. Suddenly, one is dealing not just with layers of craftwork, sculpture and photography, but also of architecture. Simultaneously, Kupelwieser's installations consolidate ostensible contradictions into a unit, which in turn could be read as image or sculpture but also as an architectural problem.

Hans Kupelwieser's installation consists of two sculptures with reflective, irregularly crinkled surfaces, of antique carpets and of photographs. Here, as in other places before, the artist intervenes directly in his surroundings, allowing them to become part of his artistic calculus. Its reception can be imagined in different ways. It depends on the viewpoint - is it photography, sculpture, architecture, installation art, and is it not also compatible with the conception and function of a carpet? A highly complex intellectual game is created with seemingly simple means here - a laboratory of perception.

Günther Holler-Schuster

Das Bild an der Wand 4
COLOROPHIL COLOROPHIL
Gletscherweissbergseetürkisnachtblau -
COLOROPHIL
20. Juli - 11. August 2012

Sich in den heißen Monaten mit kühlen Farben zu umgeben ist nicht nur in Mitteleuropa üblich, um der Hitze entgegenzuwirken. Dabei spielt die Farbpsychologie eine wichtige Rolle. Blau steht für Luft und Wasser, Kühle und Ferne, schafft Raum und Perspektive - was in Europa schon die Maler der Renaissance zu nutzen wussten. Grün ist die Farbe der Mitte, Natur und Ausgeglichenheit und gilt in Wüstengebieten als heilige Farbe. Weiß ist die Summe aller Farben, steht für Licht und Reinheit und hat gemeinsam mit Grün und Blau eine erfrischende Wirkung. Türkis, die Mischung von Grün und Blau, gilt als Sinnbild von Bergseen und Gletschereis und wird als kälteste Farbe wahrgenommen. Nicht nur die europäischen Künstler, auch die Nomaden des Orients wussten die Wirkung von Farben intuitiv einzusetzen, um so während der heißen Sommermonate ihren Zelten "Abkühlung" zu verschaffen ...
Glacierwhitemountainlaketurquoisenightblue -
COLOROPHIL
July 20 - August 11 2012

To surround oneself with cool colours during the hot months is a common practice to counteract the heat, not just in central Europe. Like European artists, Oriental nomads intuitively knew how to utilise colour effects in their textiles to 'cool down' their tents during the summer. Colour psychology plays a central role in this context. Blue, for example, is associated with air and water, the expanse of the summer sky and the unfathomable depths of the sea. It stands for coldness and distance, creates space and perspective - an effect, which was familiar to European Renaissance painters and which animated Post-Impressionist artists to create remarkable shades of light. Green is the colour of the centre and of equilibrium, of nature. In desert regions it is associated with fertility, affluence and life - a holy colour - since green is no matter of course in a sun-scorched landscape. White is the sum of all colours, stands for light and purity, and has a refreshing and soothing function, especially in combination with green and blue. Turquoise, the fusion of these colours, epitomises oceanic and glacial ice, and is psychologically perceived as the coolest colour. In terms of colour and design vocabularies, the hues of life mostly developed according to regional presets and climatic conditions - defining factors, which has shaped artistic practice across all periods and regions.
Das Bild an der Wand 4
DAS BILD AN DER WAND THE IMAGE ON THE WALL
DAS BILD AN DER WAND
19. März - 20. April 2012

Es gibt den Blick auf die Kunst, der profane Bilder außerhalb des eigenen Systems ignoriert. Die Vielzahl der Bilder, sowie die unzähligen Orte an denen sie gegenwärtig vorkommen (von den Massenmedien bis zum Kunstgewerbe), rufen heute einen neuen Bilderstreit hervor. Die Definitionsfrage erscheint jetzt komplexer und drängender als zuvor. Dass ein Teppich neben seiner Funktionalität auch Informationsträger bzw. Bild ist, muss man als Faktum anerkennen. Die abstrakten Formen eines Teppichs, der noch dazu an der Wand hängt, können im Sinne eines globalisierten Kunst- und Kulturtransfers auch unter dem Aspekt der abstrakten bzw. monochromen Malerei wahrgenommen werden. Es liegt somit, heute mehr denn je, im visuellen Bewusstsein des Publikums in welchem Kontext Visualität erlebt wird.

Günther Holler-Schuster


Noch vor siebzig bis hundert Jahren haben die architektur- und schriftlosen Nomaden umwerfende Kunstobjekte geknüpft, deren Muster und Motive, aber auch Proportionen und Farbe, eingebettet in Klima, Zeitepoche, Kultur und Religion, zum Teil lesbare Piktogramme entstehen ließen. Als Kultobjekte oder Gebrauchsgegenstände des täglichen Lebens waren diese Teppiche niemals dekorationsorientiert, oder gar dem Diktat des Marktes unterworfen. Einige dieser Arbeiten wecken die Erinnerung an Werke der Klassischen Moderne oder der zeitgenössischen Kunst und es stellt sich die spannende Frage, wieweit diese anonymen Kunstwerke berühmten Ölgemälden nachstehen.

Helmut Reinisch
THE IMAGE ON THE WALL
March 19 - April 20 2012

There is a vision of art that ignores profane images outside of its own system. Today, innumerable images, as well as the numerous places they occur in (from mass media to applied arts), trigger a new war of images. The question of definition appears more complex and urgent than ever. That a carpet, quite apart from its functionality, can also be a carrier of information, or an image, must be acknowledged as a fact. The abstract forms of a carpet - particularly one hanging on a wall - can be seen from the perspective of abstract or monochrome painting within the meaning of a globalised transfer of arts and culture. Today, more than at any previous time, the context in which visuality is experienced is up to the visual consciousness of the audience.

Günther Holler-Schuster



Up until seventy to a hundred years ago, Nomads - a culture without architecture and the written word - created arresting objects of art. Patterns and motives, but also proportions and colours, were embedded in climate, era, culture and religion, often representing a legible pictogram. These carpets were never geared towards the market or decoration; they were articles of daily use or ritual objects. Some remind us of works of classic modernity and contemporary art, raising the question to what extend these anonymous works of art rank behind famous oil paintings.

Helmut Reinisch
Das Bild an der Wand 4
Ausstellungen 1980 - 1993 Exhibitions 1980 - 1993
1993 Form + Farbe
Josef Sulek
1993 Bilder - Teppichbilder Das Beste
Thomas Ruff
1993 Archetypen Gabbeh
1993 Afschar - Klassische Werke
1993 Tasnacht
1992 Die Sammlung Buchara
1992 Berber Stammesteppiche und Textilien aus dem Königreich Marokko
Lederfabrik Pieber, Graz
1991 Kleinigkeiten
1990 No Made Nomadenteppiche und Fragmente vom Ursprung
1990 Atlas - Berber
1989 Schwarze Bilder und Teppich-Miniaturen
Herbert Brandl
1988 Kunst aus dem Himalaya
1988 Von Uschak bis Buchara
1987 Erwin Wurm Skulpturen, Das Geheimnis des anatolischen Tülü
1987 Gabbeh Mythen
Neue Galerie Wien
1986 Antike anatolische Knüpfkunst, Yatak & Co.
Künstlerhaus Wien
1986 Gabbeh - Die Sammlung G. Bornet
Künstlerhaus Graz
1985 Kelim & Evelyne Egerer
1984 500 Jahre Knüpfkunst Teppiche ab 1480
1984 Gabbeh und Belutsch
1983 Herrscher und Nomaden
Johann Plank
1982 Gebetsteppiche und Meditationssteine
Karl Prantl (Steirischer Herbst)
1980 Geknüpfte Bilder
Kulturhaus der Stadt Graz
1993 Form + Colour
Josef Sulek
1993 Images - Carpet Images The Best
Thomas Ruff
1993 Gabbeh Archetypes
1993 Afschar - Classic Works
1993 Tasnacht
1992 The Buchara Collection
1992 Berber Tribal Rugs and Textiles from the Kingdom of Morocco
Leather Factory Pieber, Graz
1991 Kleinigkeiten
1990 No Made Nomad Rugs and Fragments of Origin
1990 Atlas - Berber
1989 Black Carpets and Carpet-Miniatures
Herbert Brandl
1988 Art from the Himalayas
1988 From Uschak to Buchara
1987 Erwin Wurm Sculptures, The Secret of the Anatolian Tülü
1987 Gabbeh Myths
Neue Galerie Wien
1986 Antique Anatolian Carpet Art, Yatak & Co.
Künstlerhaus Wien
1986 Gabbeh - The G. Bornet Collection
Künstlerhaus Graz
1985 Kelim & Evelyne Egerer
1984 500 Years of Carpet Art
1984 Gabbeh and Belutsch
1983 Rulers and Nomads
Johann Plank
1982 Prayer Rugs und Meditation Stones
Karl Prantl (Steirischer Herbst)
1980 Knotted Pictures
Kulturhaus der Stadt Graz
Ausstellungen 1994 - 2014 Exhibitions 1994 - 2014
2014 Sichtbare Gemälde
Taktile Skulptur
2013 Franz Yang-Močnik und Beni Ourain
2013 Hans Kupelwieser - Reflexionen
2012 COLOROPHIL
2012 Die Bild an der Wand
2008 Die Magie des Unnormierten
2007 Geknüpfte Mythen
Die Georges D. Bornet Collection
2006 20 Jahre Gabbeh
2004 Berber, best of
2002 Berber Good buy
2001 2000 und 1e Nacht
Stadtmuseum Graz
2001 Die größte Teppichdatei der Welt
1998 Brot und Salz
1997 15 Jahre Hauptplatz
1997 Der König der Löwen
1997 Kaukasische Klassiker des 18. und 19. Jahrhunderts
1996 10 Jahre Gabbeh Teppiche aus der Sammlung Bornet
1995 Löwen aus aller Welt
Teppiche und Skulpturen
1995 Farbklangteppiche
Erwin Stache
1995 Schätze vom Dach der Welt, Besuch seiner Heiligkeit des Dalai Lama
1995 100 Jahre K&K Teppiche
1994 Traum und Wirkteppich
1994 Der antike persische Kelim
1994 Gut gehütet
2014 Visible Paintings
Tactile Sculpture
2013 Franz Yang-Močnik and Beni Ourain
2013 Hans Kupelwieser - Reflections
2012 COLOROPHIL
2012 The Image on the Wall
2008 The Magic of the Aberrant
2007 Knotted Myths
The Georges D. Bornet Collection
2006 20 Years Gabbeh
2004 Berber, best of
2002 Berber Good buy
2001 2000 and 1 Night
Stadtmuseum Graz
2001 World Carpet Database
1998 Bread and Salt
1997 15 Years Hauptplatz
1997 The Lion King
1997 Caucasian Classics of the 18th and 19th Century
1996 10 Years Gabbeh - Carpets from the Bornet Collection
1995 Lions of the World
Carpets and Sculptures
1995 Farbklangteppiche
Erwin Stache
1995 Treasures from the Roof of the World, Visit of His Holiness the Dalai Lama
1995 100 Years K&K Carpets
1994 Traum und Wirkteppich
1994 The antique Persian Kelim
1994 Gut gehütet
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